Edwin Fischer |
Edwin Fischer
A segunda metade do noso século considérase a era da perfección técnica do piano, das artes escénicas en xeral. De feito, agora no escenario é case imposible coñecer a un artista que non fose capaz de "acrobacias" pianísticas de alto rango. Algunhas persoas, asociando con présa isto ao progreso técnico xeral da humanidade, xa se inclinaban a declarar a suavidade e fluidez do xogo como calidades necesarias e suficientes para alcanzar cotas artísticas. Pero o tempo xulgou o contrario, lembrando que o pianismo non é patinaxe artística nin ximnasia. Pasaron os anos e quedou claro que a medida que melloraba a técnica de interpretación en xeral, a súa participación na valoración global da actuación de tal ou cal artista ía diminuíndo constantemente. É por iso que o número de verdadeiramente grandes pianistas non aumentou en absoluto debido a un crecemento tan xeral?! Nunha época na que "todo o mundo aprendeu a tocar o piano", os valores verdadeiramente artísticos -contido, espiritualidade, expresividade- permaneceron inquebrantables. E isto levou a millóns de oíntes a recorrer de novo ao legado deses grandes músicos que sempre colocaron estes grandes valores na vangarda da súa arte.
Un destes artistas foi Edwin Fisher. A historia pianística do século XNUMX é impensable sen a súa contribución, aínda que algúns dos investigadores modernos intentaron cuestionar a arte do artista suízo. Que máis que unha paixón puramente americana polo “perfeccionismo” pode explicar que G. Schonberg no seu libro, publicado só tres anos despois da morte do artista, non considerase necesario dar a Fischer máis de... unha liña. Porén, mesmo durante a súa vida, xunto con mostras de amor e respecto, tivo que soportar os reproches pola imperfección dos críticos pedantes, que de cando en vez rexistraban os seus erros e parecían alegrarse con el. Non lle pasou o mesmo ao seu maior contemporáneo A. Corto?!
As biografías dos dous artistas son, en xeral, moi similares nas súas principais características, a pesar de que no plano puramente pianístico, no que se refire á “escola”, son completamente diferentes; e esta similitude permite comprender as orixes da arte de ambos, as orixes da súa estética, que se basea na idea do intérprete fundamentalmente como artista.
Edwin Fischer naceu en Basilea, no seo dunha familia de mestres musicais hereditarios, orixinarios da República Checa. Desde 1896, estudou no ximnasio de música, despois no conservatorio baixo a dirección de X. Huber, e mellorou no Conservatorio Stern de Berlín con M. Krause (1904-1905). En 1905, el mesmo comeza a dirixir unha clase de piano no mesmo conservatorio, ao mesmo tempo que inicia a súa carreira artística, primeiro como acompañante do cantante L. Vulner, e despois como solista. Axiña foi recoñecido e amado polos oíntes de moitos países europeos. Unha gran popularidade trouxéronlle as actuacións conxuntas con A. Nikish, f. Wenngartner, W. Mengelberg, despois W. Furtwängler e outros directores importantes. En comunicación con estes grandes músicos, desenvolvéronse os seus principios creativos.
Na década dos 30, o alcance da actividade concertística de Fischer era tan amplo que deixou a docencia e dedicouse por completo a tocar o piano. Pero co paso do tempo, o versátil talentoso músico quedou reducido no marco do seu instrumento favorito. Creou a súa propia orquestra de cámara, actuou con el como director e solista. Certo que iso non estaba ditado polas ambicións do músico como director: era que a súa personalidade era tan poderosa e orixinal que prefería, non sempre tendo a man a tales socios como os nomeados mestres, tocar sen director. Ao mesmo tempo, non se limitou aos clásicos dos séculos 1933-1942 (que xa se converteu en algo habitual), senón que dirixiu a orquestra (e conseguiuna á perfección!) mesmo cando interpretaba os monumentais concertos de Beethoven. Ademais, Fischer formou parte dun marabilloso trío co violinista G. Kulenkampf e o violonchelista E. Mainardi. Finalmente, co paso do tempo, volve á pedagoxía: en 1948 foi profesor na Escola Superior de Música de Berlín, pero en 1945 conseguiu marchar da Alemaña nazi para a súa terra natal, instalándose en Lucerna, onde pasou os últimos anos da súa vida. vida. Aos poucos, a intensidade dos seus concertos foi diminuíndo: unha enfermidade das mans impedíalle a miúdo actuar. Non obstante, continuou tocando, dirixindo, gravando, participando no trío, onde G. Kulenkampf foi substituído por V. Schneiderhan en 1958. En 1945-1956, Fischer deu clases de piano en Hertenstein (preto de Lucerna), onde decenas de artistas novos. de todo o mundo acudían a el cada ano. Moitos deles convertéronse en grandes músicos. Fischer escribiu música, compuxo cadencias para concertos clásicos (de Mozart e Beethoven), editou composicións clásicas e, finalmente, converteuse no autor de varios estudos importantes: “J.-S. Bach" (1956), "L. van Beethoven. Sonatas para piano (1960), así como numerosos artigos e ensaios recollidos nos libros Reflexións musicais (1956) e Sobre as tarefas dos músicos (XNUMX). No XNUMX, a universidade da cidade natal do pianista, Basilea, elixiuno doutor honoris causa.
Tal é o esquema exterior da biografía. Paralela estaba a liña da evolución interna do seu aspecto artístico. Nun principio, nas primeiras décadas, Fischer gravitou cara a unha forma de tocar enfáticamente expresiva, as súas interpretacións estiveron marcadas por algúns extremos e mesmo liberdades do subxectivismo. Daquela, a música dos románticos estaba no centro dos seus intereses creativos. Certo, a pesar de todas as desviacións da tradición, cativou ao público coa transferencia da enerxía valente de Schumann, a maxestade de Brahms, o ascenso heroico de Beethoven, o drama de Schubert. Co paso dos anos, o estilo interpretativo do artista fíxose máis restrinxido, clarificado e o centro de gravidade cambiou aos clásicos: Bach e Mozart, aínda que Fischer non se separou do repertorio romántico. Durante este período, é especialmente consciente da misión do intérprete como intermediario, "un medio entre a arte eterna e divina e o oínte". Pero o mediador non é indiferente, de lado, senón activo, refractando este "eterno, divino" a través do prisma do seu "eu". O lema do artista seguen sendo as palabras expresadas por el nun dos artigos: “A vida debe pulsar na performance; crescendos e fortes que non se experimentan parecen artificiais”.
Os trazos da natureza romántica do artista e os seus principios artísticos chegaron a completa harmonía no último período da súa vida. V. Furtwangler, que visitou o seu concerto en 1947, sinalou que "realmente alcanzou as súas alturas". O seu xogo golpeou coa forza da experiencia, o tremor de cada frase; parecía que a obra nacía de novo cada vez baixo os dedos do artista, completamente alleo ao selo e á rutina. Durante este período, recorreu de novo ao seu heroe favorito, Beethoven, e fixo gravacións de concertos de Beethoven a mediados dos anos 50 (na maioría dos casos el mesmo dirixiu a London Philharmonic Orchestra), así como unha serie de sonatas. Estas gravacións, xunto coas realizadas anteriormente, alá polos anos 30, convertéronse na base do legado sonoro de Fischer, un legado que, tras a morte do artista, causou moita polémica.
Por suposto, os discos non nos transmiten totalmente o encanto da interpretación de Fischer, só transmiten parcialmente a engaiolante emocionalidade da súa arte, a grandeza dos conceptos. Para os que escoitaron ao artista no salón, non son, de feito, máis que un reflexo de impresións anteriores. As razóns para iso non son difíciles de descubrir: ademais das características específicas do seu pianismo, tamén se atopan nun plano prosaico: o pianista simplemente tiña medo ao micrófono, sentíase incómodo no estudio, sen público, e superando. este medo raramente se lle deu sen perda. Nas gravacións pódense sentir vestixios de nerviosismo, algo de letargo e "matrimonio" técnico. Todo isto serviu máis dunha vez como obxectivo para os fanáticos da "pureza". E tiña razón o crítico K. Franke: “O heraldo de Bach e Beethoven, Edwin Fischer deixou atrás non só notas falsas. Ademais, pódese dicir que ata as notas falsas de Fischer caracterízanse pola nobreza da alta cultura, o sentimento profundo. Fischer era precisamente unha natureza emocional, e esta é a súa grandeza e as súas limitacións. A espontaneidade da súa interpretación atopa a súa continuación nos seus artigos... Comportouse na mesa do mesmo xeito que no piano: seguiu sendo un home de fe inxenua, e non de razón e coñecemento.
Para un oínte sen prexuízos, inmediatamente faise obvio que mesmo nas primeiras gravacións das sonatas de Beethoven, feitas a finais dos anos 30, a escala da personalidade do artista, o significado da súa música son plenamente sentidos. Enorme autoridade, patetismo romántico, combinado cunha inesperada pero convincente contención do sentimento, unha profunda reflexión e xustificación das liñas dinámicas, o poder das culminacións, todo isto deixa unha impresión irresistible. Un recorda involuntariamente as propias palabras de Fischer, que argumentou no seu libro "Reflexións musicais" que un artista interpretando a Beethoven debería combinar pianista, cantante e violinista "nunha persoa". É esta sensación a que lle permite mergullarse tan completamente na música coa súa interpretación da Appassionata que a alta sinxeleza fai esquecer involuntariamente os lados sombríos da actuación.
A alta harmonía, a claridade clásica son, quizais, a principal forza atractiva das súas gravacións posteriores. Aquí xa a súa penetración nas profundidades do espírito de Beethoven está determinada pola experiencia, a sabedoría vital, a comprensión da herdanza clásica de Bach e Mozart. Pero, a pesar da idade, aquí nótase claramente a frescura da percepción e da experiencia da música, que non deixa de ser transmitida aos oíntes.
Para que o oínte dos discos de Fischer poida imaxinar máis a fondo a súa aparición, cedamos, en conclusión, a palabra aos seus eminentes alumnos. P. Badura-Skoda lembra: “Era un home extraordinario, literalmente irradiando bondade. O principio fundamental do seu ensino era a esixencia de que o pianista non se retirase ao seu instrumento. Fischer estaba convencido de que todos os logros musicais debían estar correlacionados cos valores humanos. “Un gran músico é ante todo unha personalidade. Nel debe vivir unha gran verdade interior: despois de todo, o que está ausente no propio intérprete non se pode plasmar na actuación, "non se cansaba de repetir nas leccións".
O último alumno de Fischer, A. Brendle, fai o seguinte retrato do mestre: “Fischer estaba dotado dun xenio da interpretación (se aínda é aceptable esta palabra obsoleta), non estaba dotado dun xenio de compositor, senón precisamente dun xenio interpretativo. O seu xogo é absolutamente correcto e ao mesmo tempo atrevido. Ten unha frescura e unha intensidade especiais, unha sociabilidade que lle permite chegar ao oínte máis directamente que calquera outro intérprete que coñezo. Entre el e ti non hai cortina, nin barreira. Produce un son deliciosamente suave, logra un pianissimo de limpeza e un fortissimo feroz, que, con todo, non son ásperos e agudos. Foi vítima das circunstancias e dos estados de ánimo, e os seus rexistros dan pouca idea do que conseguiu nos concertos e nas súas clases, estudando cos estudantes. O seu xogo non estaba suxeito ao tempo e á moda. E el mesmo era unha combinación de neno e sabio, unha mestura de inxenuo e refinado, pero, por todo iso, todo iso fundiuse nunha completa unidade. Tiña a capacidade de ver toda a obra como un todo, cada peza era un único todo e así apareceu na súa interpretación. E isto é o que se chama ideal...
L. Grigoriev, J. Platek
