Mikhail Vasilievich Pletnev |

Mikhail Pletnev

Mikhail Vasilyevich Pletnev atrae a atención tanto dos especialistas como do público en xeral. É moi popular; Non sería esaxerado dicir que a este respecto se sitúa un tanto á marxe na longa fila de laureados de certames internacionais dos últimos anos. As actuacións do pianista están case sempre esgotadas e non hai indicios de que esta situación poida cambiar.

Pletnev é un artista complexo e extraordinario, cunha cara característica e memorable. Pódese admirar ou non, proclamalo líder da arte pianística moderna ou completamente, "de nada", rexeitar todo o que fai (sucede), en calquera caso, coñecer el non deixa indiferente á xente. E iso é o que importa, ao final.

… Naceu o 14 de abril de 1957 en Arkhangelsk, no seo dunha familia de músicos. Máis tarde trasladouse cos seus pais a Kazán. A súa nai, pianista de educación, traballou nun tempo como acompañante e mestra. Meu pai era acordeonista, ensinou en varias institucións educativas e durante varios anos exerceu como profesor asistente no Conservatorio de Kazán.

Misha Pletnev descubriu a súa habilidade para a música cedo: dende os tres anos alcanzou o piano. Kira Alexandrovna Shashkina, profesora da Escola de Música Especial de Kazan, comezou a ensinarlle. Hoxe lembra a Shashkina só cunha palabra amable: "Un bo músico... Ademais, Kira Alexandrovna animou os meus intentos de compoñer música, e só podo darlle as grazas por iso".

Aos 13 anos, Misha Pletnev trasladouse a Moscova, onde se converteu nun alumno da Escola Central de Música na clase de EM Timakin. EM Timakin, un profesor destacado, que abriu o camiño para o escenario para moitos asistentes a concertos, posteriormente famosos, axudou a Pletnev de moitas maneiras. "Si, si, moito. E case en primeiro lugar - na organización do aparello técnico motor. Un profesor que pensa profunda e interesante, Evgeny Mikhailovich é excelente para facelo. Pletnev permaneceu na clase de Timakin durante varios anos, e despois, cando era estudante, trasladouse ao profesor do Conservatorio de Moscova, Ya. V. Volador.

Pletnev non tivo leccións fáciles con Flier. E non só polas altas demandas de Yakov Vladimirovich. E non porque representasen a distintas xeracións na arte. As súas personalidades creativas, personaxes, temperamentos eran demasiado diferentes: un ardente, entusiasta, a pesar da súa idade, profesor, e un estudante que parecía case o seu oposto, case unha antípoda... Pero a Flier, como se di, non foi fácil con Pletnev. Non foi doado pola súa natureza difícil, teimosa e intratable: tiña un punto de vista propio e independente sobre case todo, non deixaba discusións, senón que, pola contra, buscábaas abertamente: pouco se facían sen fe. probas. Testemuñas presenciais din que Flier ás veces tiña que descansar moito tempo despois das clases con Pletnev. Unha vez, coma se dixese que gasta con el tantas enerxías nunha lección como en dous concertos en solitario... Todo isto, porén, non interferiu no profundo cariño do profesor e do alumno. Quizais, pola contra, fortaleceuna. Pletnev era o "canto do cisne" do profesor Flier (por desgraza, non tivo que estar á altura do triunfo máis sonoro do seu alumno); o catedrático falou del con esperanza, admiración, cre no seu futuro: “Ves, se xoga o mellor que pode, realmente escoitarás algo insólito. Isto non ocorre a miúdo, créame, teño experiencia suficiente... (Gornostaeva V. Disputas arredor do nome // Cultura soviética. 1987. 10 de marzo.).

E hai que mencionar un músico máis, enumerando aqueles cos que Pletnev está en débeda, cos que tivo contactos creativos bastante longos. Este é Lev Nikolaevich Vlasenko, en cuxa clase se formou no conservatorio en 1979, e despois un asistente en prácticas. É interesante lembrar que este talento é en moitos aspectos unha configuración creativa diferente á de Pletnev: a súa xenerosa e aberta emotividade, o seu amplo alcance escénico, todo iso delata nel un representante dun tipo artístico diferente. Porén, na arte, como na vida, os opostos adoitan converxer, resultan útiles e necesarios entre si. Hai moitos exemplos diso na vida pedagóxica cotiá, e na práctica da música de conxunto, etc., etc.

... Xa nos seus anos escolares, Pletnev participou no Concurso Internacional de Música de París (1973) e gañou o Gran Premio. En 1977 gañou o primeiro premio no Concurso de Piano All-Union de Leningrado. E despois un dos acontecementos principais e decisivos da súa vida artística: un triunfo de ouro no Sexto Concurso Tchaikovsky (1978). Aquí é onde comeza o seu camiño cara á gran arte.

Chama a atención que entrou no escenario dos concertos como un artista case completo. Se normalmente en tales casos hai que ver como un aprendiz crece gradualmente nun mestre, un aprendiz nun artista maduro e independente, entón con Pletnev non foi posible observar isto. O proceso de maduración creativa resultou aquí, por así decirlo, reducido, oculto de miradas indiscretas. O público inmediatamente coñeceu a un concertista ben establecido: tranquilo e prudente nas súas accións, perfectamente controlado, sabendo firmemente Que quere dicir e as debería facerse. No seu xogo non se viu nada artísticamente inmaduro, desarmónico, inestable, como estudantil, aínda que só tiña 20 anos naquel momento con pouca experiencia escénica, practicamente non a tiña.

Entre os seus compañeiros, distinguíase notablemente tanto pola seriedade, a rigorosidade das interpretacións como por unha actitude extremadamente pura e espiritualmente elevada cara á música; este último, quizais, o dispoñía sobre todo... Os seus programas daqueles anos incluían a famosa Sonata trixésimo segunda de Beethoven, un complexo lenzo musical filosóficamente profundo. E é característico que fose esta composición a que pasou a converterse nunha das culminacións creativas do novo artista. O público de finais dos anos setenta (principios dos oitenta é improbable que esquecera a Arietta (a segunda parte da sonata) interpretada por Pletnev), entón por primeira vez o mozo a golpeou coa súa forma de pronunciar, por así dicir, en voz baixa. , moi pesado e significativo, o texto musical. Por certo, conservou este xeito ata hoxe, sen perder o seu efecto hipnótico sobre o público. (Hai un aforismo medio bromeante segundo o cal todos os artistas de concerto poden dividirse en dúas categorías principais; algúns poden interpretar ben a primeira parte da trixésimo segunda sonata de Beethoven, outros poden interpretar a segunda parte dela. Pletnev interpreta as dúas partes por igual. ben, isto ocorre raramente.).

En xeral, mirando cara atrás ao debut de Pletnev, non se pode deixar de subliñar que aínda cando aínda era moi novo, non había nada frívolo, superficial na súa interpretación, nada de virtuoso oropel baleiro. Coa súa excelente técnica pianística –elegante e brillante– nunca deu motivos para reprocharse efectos puramente externos.

Case desde as primeiras actuacións do pianista, a crítica falaba da súa mente clara e racional. De feito, o reflexo do pensamento sempre está claramente presente sobre o que fai no teclado. "Non a pendiente dos movementos espirituais, senón a uniformidade investigación”- isto é o que determina, segundo V. Chinaev, o ton xeral da arte de Pletnev. O crítico engade: “Pletnev realmente explora o tecido sonoro –e faino de forma impecable: todo se destaca – ata o máis mínimo detalle – os matices dos plexos texturizados, a lóxica das proporcións entrecortadas, dinámicas e formais emerxe na mente do oínte. O xogo da mente analítica: confiado, sabedor, inconfundible " (Chinaev V. Calma da claridade // Música sov.. 1985. No 11. P. 56.).

Unha vez nunha entrevista publicada na prensa, o interlocutor de Pletnev díxolle: "Ti, Mikhail Vasilievich, é considerado un artista dun almacén intelectual. Sopesa neste sentido os distintos pros e contras. Curiosamente, que entendes por intelixencia na arte da música, en particular, interpretar? E como se correlaciona o intelectual e o intuitivo no teu traballo?

"Primeiro, se queres, sobre a intuición", respondeu. — Paréceme que a intuición como habilidade está nalgún lugar preto do que entendemos por talento artístico e creativo. Grazas á intuición –chamémoslle, se queres, don da providencia artística– unha persoa pode acadar máis na arte que subindo só a unha montaña de coñecementos e experiencias especiais. Hai moitos exemplos para apoiar a miña idea. Sobre todo na música.

Pero creo que a pregunta debería facerse un pouco diferente. Por que or unha cousa or outra? (Pero, por desgraza, así é como adoitan abordar o problema do que estamos a falar.) Por que non unha intuición moi desenvolvida máis bo coñecemento, bo entendemento? Por que non a intuición máis a capacidade de comprender racionalmente a tarefa creativa? Non hai mellor combinación que esta.

Ás veces escoitas que a carga de coñecemento pode ata certo punto lastrar a unha persoa creativa, amortiguar o inicio intuitivo nel... Non o creo. Máis ben, pola contra: o coñecemento e o pensamento lóxico dan á intuición forza, nitidez. Levalo a un nivel superior. Se unha persoa sente sutilmente arte e, ao mesmo tempo, ten a capacidade de realizar operacións analíticas profundas, irá máis aló na creatividade que alguén que confía só no instinto.

Por certo, aqueles artistas que a min persoalmente me gustan especialmente nas artes musicais e escénicas só se distinguen por unha combinación harmónica do intuitivo –e do racional-lóxico, do inconsciente– e do consciente. Todos eles son fortes tanto na súa conxectura artística como no seu intelecto.

… Din que cando o destacado pianista italiano Benedetti-Michelangeli estaba de visita en Moscova (era a mediados dos anos sesenta), preguntáronlle nunha das reunións cos músicos da capital, o que, na súa opinión, é especialmente importante para un intérprete. ? Respondeu: coñecemento teórico-musical. Curioso, non? E que significa o coñecemento teórico para un intérprete no sentido máis amplo da palabra? Esta é a intelixencia profesional. En calquera caso, o núcleo da mesma..." (Vida musical. 1986. No 11. P. 8.).

Falar sobre o intelectualismo de Pletnev leva moito tempo, como se sinalou. Podes escoitalos tanto nos círculos de especialistas como entre os amantes da música comúns. Como sinalou unha vez un escritor famoso, hai conversacións que, unha vez iniciadas, non paran... En realidade, non había nada reprochable nestas conversas, a non ser que se esqueza: neste caso, non deberíamos falar da "frialdade" de Pletnev, entendida primitivamente ( se só fose frío, pobre emocionalmente, non tería nada que facer no escenario do concerto) e non sobre algún tipo de "pensamento" sobre el, senón sobre a actitude especial do artista. Unha tipoloxía especial do talento, unha “forma” especial de percibir e expresar a música.

En canto á contención emocional de Pletnev, da que tanto se fala, a pregunta é, paga a pena discutir sobre os gustos? Si, Pletnev é unha natureza pechada. A severidade emocional da súa interpretación ás veces pode chegar case ao ascetismo, mesmo cando interpreta a Tchaikovsky, un dos seus autores favoritos. Dalgunha maneira, despois dunha das actuacións do pianista, apareceu na prensa unha crítica, cuxo autor utilizaba a expresión: "letra indirecta": era precisa e precisa.

Tal é, repetimos, a natureza artística do artista. E só se pode alegrar de que non "xogue", non use cosméticos escénicos. Ao final, entre os que realmente ter algo que dicir, o illamento non é tan raro: tanto na vida como no escenario.

Cando Pletnev fixo o seu debut como concertista, un lugar destacado nos seus programas ocupou obras de JS Bach (Partita en si menor, Suite en la menor), Liszt (Rapsodias XNUMX e XNUMX, Concerto para piano no XNUMX), Tchaikovsky ( Variacións en fa maior, concertos para piano), Prokofiev (sétima sonata). Posteriormente, interpretou con éxito varias obras de Schubert, a Terceira Sonata de Brahms, obras do ciclo Anos de peregrinación e a Duodécima Rapsodia de Liszt, Islamey de Balakirev, Rapsodia de Rachmaninov sobre un tema de Paganini, Gran Sonata, As estacións individuais de Tchaikov e T. .

É imposible non esquecer as súas veladas monográficas dedicadas ás sonatas de Mozart e Beethoven, sen esquecer o Segundo Concerto para piano de Saint-Saëns, preludios e fugas de Shostakovich. Na tempada 1986/1987 o Concerto de Haydn en re maior, a suite para piano de Debussy, os preludios de Rachmaninov, op. 23 e outras pezas.

Con persistencia, con firme propósito, Pletnev busca as súas propias esferas estilísticas máis próximas a el no repertorio pianístico mundial. Proba a si mesmo na arte de diferentes autores, épocas, tendencias. Nalgúns aspectos tamén falla, pero na maioría dos casos atopa o que necesita. En primeiro lugar, na música do século XNUMX (JS Bach, D. Scarlatti), nos clásicos vieneses (Haydn, Mozart, Beethoven), nalgunhas rexións creativas do romanticismo (Liszt, Brahms). E, por suposto, nos escritos dos autores das escolas rusa e soviética.

Máis discutible é Chopin de Pletnev (Segunda e Terceira sonatas, polonesas, baladas, nocturnos, etc.). É aquí, nesta música, onde se empeza a sentir que o pianista carece realmente ás veces da inmediatez e da apertura dos sentimentos; ademais, é característico que nun repertorio diferente nunca se lle ocorre falar del. É aquí, no mundo da poética de Chopin, onde de súpeto notas que Pletnev non está demasiado inclinado ás tormentosas efusións do corazón, que, en termos modernos, non é moi comunicativo e que sempre hai unha certa distancia entre el e o público. Se os intérpretes que, mentres realizan un musical "falan" co oínte, parecen estar en "ti" con el; Pletnev sempre e só en "ti".

E outro punto importante. Como sabes, en Chopin, en Schumann, nas obras dalgúns outros románticos, o intérprete adoita ter un xogo de estados de ánimo exquisitamente caprichoso, impulsividade e imprevisibilidade dos movementos espirituais, flexibilidade de matiz psicolóxico, en fin, todo o que só lle pasa a xente de certo almacén poético. Porén, Pletnev, músico e persoa, ten algo un pouco diferente... A improvisación romántica tampouco lle está preto: esa especial liberdade e soltura da forma escénica, cando parece que a obra xurde espontáneamente, case espontáneamente, baixo os dedos de o intérprete do concerto.

Por certo, un dos musicólogos moi respectados, que visitou unha vez a actuación dun pianista, expresou a opinión de que a música de Pletnev "nace agora, neste mesmo momento". (Tsareva E. Creando unha imaxe do mundo // Sov. music. 1985. No 11. P. 55.). Non é? Non sería máis exacto dicir que é ao revés? En calquera caso, é moito máis común escoitar que todo (ou case todo) na obra de Pletnev está coidadosamente pensado, organizado e construído con antelación. E despois, coa súa precisión e coherencia inherentes, encárgase "no material". Encarnado con precisión de francotirador, con case o cen por cento alcanzado no obxectivo. Este é o método artístico. Este é o estilo, e o estilo, xa sabes, é unha persoa.

É sintomático que Pletnev o intérprete sexa ás veces comparado con Karpov, o xadrecista: atopan algo en común na natureza e na metodoloxía das súas actividades, nos enfoques para resolver as tarefas creativas ás que se enfrontan, mesmo na "imaxe" puramente externa do que crean: un detrás do piano de teclado, outros no taboleiro de xadrez. As interpretacións interpretativas de Pletnev compáranse coas construcións clásicamente claras, harmoniosas e simétricas de Karpov; estes últimos, á súa vez, asemellan ás construcións sonoras de Pletnev, impecables en canto á lóxica do pensamento e á técnica de execución. Por toda a convencionalidade de tales analoxías, con toda a súa subxectividade, teñen claramente algo que chama a atención...

Cabe engadir ao dito que o estilo artístico de Pletnev é xeralmente propio das artes musicais e escénicas do noso tempo. En concreto, esa encarnación escénica antiimprovisación, que se acaba de sinalar. Algo semellante pódese observar na práctica dos artistas máis destacados da actualidade. Nisto, como en moitas outras cousas, Pletnev é moi moderno. Quizais por iso hai un debate tan acalorado arredor da súa arte.

… Adoita dar a impresión dunha persoa que está completamente segura de si mesma, tanto no escenario como na vida cotiá, na comunicación cos demais. Algúns gústalles, a outros non lles gusta moito... Na mesma conversa con el, da que se citaron fragmentos máis arriba, este tema foi indirectamente tocado:

– Por suposto, xa sabes, Mikhail Vasilyevich, que hai artistas que tenden a sobreestimarse nun ou outro grao. Outros, pola contra, sofren unha subestimación do seu propio "eu". Poderías comentar este feito, e estaría ben dende este ángulo: a autoestima interna do artista e o seu benestar creativo. Exactamente creador...

– Na miña opinión, todo depende en que etapa laboral estea o músico. En que fase. Imaxina que un determinado intérprete está aprendendo unha peza ou un programa de concertos que é novo para el. Entón, unha cousa é dubidar ao comezo do traballo ou mesmo no medio, cando estás un máis a un coa música e contigo mesmo. E outra ben: no escenario...

Mentres o artista está na soidade creativa, mentres aínda está en proceso de traballo, é ben natural que desconfíe de si mesmo, que menosprecie o que fixo. Todo isto é só para o ben. Pero cando te atopas en público, a situación cambia, e fundamentalmente. Aquí, calquera tipo de reflexión, a subestimación dun mesmo está chea de serios problemas. Ás veces irreparable.

Hai músicos que se atormentan constantemente con pensamentos de que non van poder facer algo, equivocaránse en algo, fallarán nalgún lado; etc. E en xeral, din, que deberían facer no escenario cando hai, por exemplo, Benedetti Michelangeli no mundo... É mellor non aparecer no escenario con tales mentalidades. Se o oínte no salón non se sente seguro no artista, involuntariamente perde o respecto por el. Así (isto é o peor de todos) e á súa arte. Non hai convicción interior, non hai persuasión. O intérprete dubida, o intérprete dubida e o público tamén dubida.

En xeral, resumiríao así: dúbidas, infravaloración dos teus esforzos no proceso de deberes, e quizais máis autoconfianza no escenario.

– Autoconfianza, dis... É bo que este trazo sexa inherente a unha persoa en principio. Se ela está na súa natureza. E se non?

"Entón non sei. Pero sei firmemente outra cousa: todo o traballo previo ao programa que está a preparar para a súa exposición pública debe facerse coa máxima minuciosidade. A conciencia do intérprete, como din, debe ser absolutamente pura. Despois vén a confianza. Polo menos así é para min (Vida musical. 1986. No 11. P. 9.).

… No xogo de Pletnev, sempre se chama a atención sobre a minuciosidade do acabado exterior. A perseguir detalles de xoias, a impecable corrección das liñas, a claridade dos contornos sonoros e o estrito aliñamento das proporcións son sorprendentes. En realidade, Pletnev non sería Pletnev se non fose por esta totalidade absoluta en todo o que é obra das súas mans, de non ser por esta habilidade técnica engaiolante. "Na arte, unha forma graciosa é unha gran cousa, especialmente onde a inspiración non se rompe nas ondas tormentosas..." (Sobre a interpretación musical. – M., 1954. P. 29.)– escribiu unha vez VG Belinsky. Tiña en mente o actor contemporáneo VA Karatygin, pero expresou a lei universal, que está relacionada non só co teatro teatral, senón tamén co escenario do concerto. E nada menos que Pletnev é unha magnífica confirmación desta lei. Pode ser máis ou menos apaixonado polo proceso de facer música, pode actuar con máis ou menos éxito; o único que simplemente non pode ser é descuidado...

"Hai concertistas", continúa Mikhail Vasilievich, en cuxa interpretación se sente ás veces algún tipo de aproximación, esbozo. Agora, mirades, "untan" densamente un lugar tecnicamente difícil co pedal, despois levantan as mans artísticamente, rodan os ollos ao teito, desviando a atención do oínte do principal, do teclado... Persoalmente, isto é alleo a min. Repito: partindo da premisa de que nun traballo realizado en público, todo debe levarse á total integridade profesional, nitidez e perfección técnica no curso dos deberes. Na vida, na vida cotiá, só respectamos ás persoas honestas, non si? — e non respectamos os que nos enganan. É o mesmo no escenario".

Co paso dos anos, Pletnev é cada vez máis estrito consigo mesmo. Os criterios polos que se guía no seu traballo estanse facendo máis ríxidos. Os prazos para aprender novas obras fanse máis longos.

“Ves, cando aínda era estudante e comezaba a xogar, os meus requisitos para xogar non só estaban baseados nos meus gustos, puntos de vista, enfoques profesionais, senón tamén no que escoitei dos meus profesores. Ata certo punto, vinme a través do prisma da súa percepción, xulgueime en función das súas instrucións, valoracións e desexos. E foi completamente natural. Pásalle a todos cando estudan. Agora eu mesmo, de principio a fin, determino a miña actitude ante o feito. É máis interesante, pero tamén máis difícil, máis responsable”.

* * *

Pletnev hoxe avanza de forma constante e constante. Isto é perceptible para todo observador sen prexuízos, calquera que sabe como Ver. E quere a ver, claro. Ao mesmo tempo, sería erróneo pensar, por suposto, que o seu camiño é sempre uniforme e recto, libre de calquera zigzag interno.

“Non podo dicir de ningún xeito que cheguei a algo inquebrantable, definitivo, firmemente establecido. Non podo dicir: antes, din, cometía tales ou tales erros, pero agora seino todo, entendo e non os volverei a repetir. Por suposto, algúns equívocos e cálculos erróneos do pasado fanse máis obvios para min co paso dos anos. Porén, estou lonxe de pensar que hoxe non caio noutros delirios que se farán sentir despois.

Quizais sexa a imprevisibilidade do desenvolvemento de Pletnev como artista –esas sorpresas e sorpresas, dificultades e contradicións, esas ganancias e perdas que supón este desenvolvemento– e provoca un maior interese pola súa arte. Un interese que demostrou a súa forza e estabilidade tanto no noso país como no estranxeiro.

Por suposto, non todos aman a Pletnev por igual. Non hai nada máis natural e comprensible. O destacado prosista soviético Y. Trifonov dixo unha vez: "Na miña opinión, un escritor non pode nin debe gustar a todos" (Trifonov Yu. Como responderá a nosa palabra... – M., 1985. S. 286.). Músico tamén. Pero practicamente todos respectan a Mikhail Vasilyevich, sen excluír a maioría absoluta dos seus colegas no escenario. Probablemente non haxa ningún indicador máis fiable e verdadeiro, se falamos do real, e non dos méritos imaxinarios do intérprete.

O respecto do que goza Pletnev vese moi facilitado polos seus discos de gramófono. Por certo, é un deses músicos que non só non perden nas gravacións, senón que ás veces ata gañan. Unha excelente confirmación diso son os discos que representan a interpretación polo pianista de varias sonatas de Mozart (“Melody”, 1985), a sonata en si menor, “Mephisto-Waltz” e outras pezas de Liszt (“Melody”, 1986), o Primeiro concerto para piano e "Rhapsody on a Theme Paganini" de Rachmaninov ("Melodía", 1987). "As estacións" de Tchaikovsky ("Melodía", 1988). Esta lista pódese continuar se o desexa...

Ademais do principal da súa vida: tocar o piano, Pletnev tamén compón, dirixe, ensina e dedícase a outras obras; Nunha palabra, leva moito. Agora, con todo, pensa cada vez máis no feito de que é imposible traballar constantemente só para "otorgar". Que hai que frear de cando en vez, mirar arredor, percibir, asimilar...

"Necesitamos un aforro interno. Só cando están, hai o desexo de atoparse cos oíntes, de compartir o que tes. Para un músico intérprete, así como para un compositor, escritor, pintor, isto é moi importante: o desexo de compartir... Contarlle á xente o que sabe e sente, transmitir a súa ilusión creativa, a súa admiración pola música, a súa comprensión dela. Se non hai tal desexo, non es un artista. E a túa arte non é arte. Notei máis dunha vez, ao atoparme con grandes músicos, que por iso suben ao escenario, que precisan facer públicos os seus conceptos creativos, contar a súa actitude ante tal ou cal obra, o autor. Estou convencido de que esta é a única forma de tratar o teu negocio".

G. Tsypin, 1990

En 1980 Pletnev debutou como director. Dando as principais forzas da actividade pianística, apareceu a miúdo na consola das principais orquestras do noso país. Pero o auxe da súa carreira de director chegou nos anos 90, cando Mikhail Pletnev fundou a Orquestra Nacional Rusa (1990). Baixo o seu liderado, a orquestra, reunida entre os mellores músicos e persoas afíns, gañou moi rapidamente a reputación de ser unha das mellores orquestras do mundo.

A actividade de Mikhail Pletnev é rica e variada. Durante as últimas tempadas, o Mestre e o RNO presentaron unha serie de programas monográficos dedicados a JS Bach, Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms, Liszt, Wagner, Mahler, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich, Stravinsky... A atención crecente ao director céntrase no xénero da ópera: en outubro de 2007, Mikhail Pletnev debutou como director de ópera no Teatro Bolshoi coa ópera A raíña de espadas de Tchaikovsky. Nos anos seguintes, o director realizou concertos de Aleko e Francesca da Rimini de Rachmaninov, Carmen de Bizet (Sala de concertos PI Tchaikovsky) e Noite de maio de Rimsky-Korsakov (Museo da propiedade Arkhangelskoye).

Ademais da fructífera colaboración coa Russian National Orchestra, Mikhail Pletnev actúa como director invitado con grupos musicais tan destacados como Mahler Chamber Orchestra, Concertgebouw Orchestra, Philharmonia Orchestra, London Symphony Orchestra, Birmingham Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic Orchestra e Tokyo Philharmonic. …

En 2006, Mikhail Pletnev creou a Fundación Mikhail Pletnev para o Apoio á Cultura Nacional, unha organización cuxo obxectivo, ademais de ofrecer a principal idea de Pletnev, a Orquestra Nacional Rusa, é organizar e apoiar proxectos culturais do máis alto nivel, como o Volga. Tours, un concerto conmemorativo en memoria das vítimas das terribles traxedias de Beslan, o programa musical e educativo "Maxia da música", deseñado específicamente para alumnos de orfanatos e internados para nenos con discapacidade física e psíquica, un programa de abono no Sala de Concertos "Orchestrion", onde se celebran concertos xunto co MGAF, incluíndo para cidadáns desprotexidos socialmente, ampla actividade discográfica e o Big RNO Festival.

Un lugar moi significativo na actividade creativa de M. Pletnev está ocupado pola composición. Entre as súas obras destacan Tríptico para orquestra sinfónica, Fantasía para violín e orquestra, Capriccio para piano e orquestra, arranxos para piano de suites a partir da música dos ballets O Cascanueces e A Bela Durmiente de Tchaikovsky, fragmentos da música do ballet Anna Karenina de Tchaikovsky. Shchedrin, Viola Concerto, arranxo para clarinete do Concerto para violín de Beethoven.

As actividades de Mikhail Pletnev están constantemente marcadas por altos premios: é galardoado con premios estatais e internacionais, incluídos os premios Grammy e Triumph. Só en 2007, o músico recibiu o Premio do Presidente da Federación Rusa, a Orde do Mérito da Patria, III grao, a Orde de Daniel de Moscova, concedido pola súa Santidade Patriarca Alexy II de Moscova e de Toda Rusia.