Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |
Sergei Rachmaninoff
E eu tiña terra natal; El é marabilloso! A. Pleshcheev (de G. Heine)
Rachmaninov foi creado a partir de aceiro e ouro; Aceiro nas súas mans, ouro no corazón. I. Hoffman
"Son un compositor ruso e a miña terra deixou pegada no meu carácter e nas miñas opinións". Estas palabras pertencen a S. Rachmaninov, o gran compositor, brillante pianista e director. Todos os acontecementos máis importantes da vida social e artística rusa reflectíronse na súa vida creativa, deixando unha pegada indeleble. A formación e florecemento da obra de Rachmaninov recae na década de 1890-1900, época na que os procesos máis complexos tiveron lugar na cultura rusa, o pulso espiritual batía febril e nervioso. O sentimento lírico agudo da época inherente a Rachmaninov estaba invariablemente asociado coa imaxe da súa querida Patria, coa infinidade das súas amplas extensións, o poder e a violenta proeza das súas forzas elementais, a suave fraxilidade da natureza primaveral florecente.
O talento de Rachmaninov manifestouse cedo e brillantemente, aínda que ata os doce anos non mostrou moito celo polas clases sistemáticas de música. Comezou a aprender a tocar o piano aos 4 anos, en 1882 foi ingresado no Conservatorio de San Petersburgo, onde, deixado á súa suerte, se meteu bastante, e en 1885 foi trasladado ao Conservatorio de Moscova. Aquí Rachmaninoff estudou piano con N. Zverev, despois A. Siloti; en materias teóricas e composición – con S. Taneyev e A. Arensky. Vivindo nunha pensión con Zverev (1885-89), pasou por unha dura, pero moi razoable escola de disciplina laboral, que o converteu dun desesperado preguiceiro e travieso nunha persoa excepcionalmente recollida e de vontade forte. "O mellor que hai en min, débello a el", dixo Rachmaninov máis tarde sobre Zverev. No conservatorio, Rachmaninoff estivo fortemente influenciado pola personalidade de P. Tchaikovsky, quen, á súa vez, seguiu o desenvolvemento do seu favorito Seryozha e, despois de graduarse no conservatorio, axudou a escenificar a ópera Aleko no Teatro Bolshoi, sabendo polo seu propia experiencia triste o difícil que é para un músico novato seguir o seu propio camiño.
Rachmaninov graduouse no Conservatorio de piano (1891) e composición (1892) cunha Gran Medalla de Ouro. Neste momento, xa era autor de varias composicións, entre elas o famoso Preludio en do sostido menor, o romance "No silencio da noite secreta", o Primeiro Concerto para piano, a ópera "Aleko", escrita como obra de graduación. en só 17 días! As pezas de fantasía que seguiron, op. 3 (1892), Trío elegíaco “En memoria dun gran artista” (1893), Suite para dous pianos (1893), Momentos de música op. 16 (1896), romances, obras sinfónicas - "The Cliff" (1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) - confirmaron a opinión de Rachmaninov como un talento forte, profundo e orixinal. As imaxes e os estados de ánimo característicos de Rachmaninoff aparecen nestas obras nun amplo abano: dende a dor tráxica do “Momento musical” en si menor ata a apoteose hímnica do romance “Augas de manancial”, dende a dura presión espontánea-volitiva do "Momento musical" en mi menor ata a mellor acuarela do romance "Island".
A vida durante estes anos foi difícil. Decisivo e poderoso no rendemento e na creatividade, Rachmaninoff era por natureza unha persoa vulnerable, que moitas veces experimentaba dúbidas sobre si mesmo. Interferido con dificultades materiais, desorde mundana, vagando por recunchos estraños. E aínda que estaba apoiado por persoas próximas a el, principalmente a familia Satin, sentíase só. O forte choque provocado polo fracaso da súa Primeira Sinfonía, interpretada en San Petersburgo en marzo de 1897, provocou unha crise creativa. Durante varios anos Rachmaninoff non compuxo nada, pero a súa actividade interpretativa como pianista intensificouse e debutou como director na Ópera Privada de Moscova (1897). Durante estes anos, coñeceu a L. Tolstoi, A. Chekhov, artistas do Teatro de Arte, comezou unha amizade con Fiódor Chaliapin, que Rachmaninov consideraba unha das "máis poderosas, profundas e sutís experiencias artísticas". En 1899, Rachmaninoff actuou por primeira vez no estranxeiro (en Londres), e en 1900 visitou Italia, onde apareceron os sketchs da futura ópera Francesca da Rimini. Un acontecemento alegre foi a posta en escena da ópera Aleko en San Petersburgo con motivo do 100 aniversario de A. Pushkin con Chaliapin como Aleko. Así, pouco a pouco foise preparando un punto de inflexión interno, e a principios do século XX. houbo unha volta á creatividade. O novo século comezou co Segundo Concerto para piano, que soou como unha poderosa alarma. Os contemporáneos escoitaron nel a voz do Tempo coa súa tensión, explosividade e sensación de cambios inminentes. Agora o xénero do concerto está a converterse no protagonista, é nel onde se plasman as ideas principais coa maior integridade e inclusión. Comeza unha nova etapa na vida de Rachmaninov.
O recoñecemento xeral en Rusia e no estranxeiro recibe a súa actividade de pianista e director. 2 anos (1904-06) Rachmaninov traballou como director de orquestra no Teatro Bolshoi, deixando na súa historia a memoria das marabillosas producións de óperas rusas. En 1907 participou nos Concertos Históricos Rusos organizados por S. Diaghilev en París, en 1909 actuou por primeira vez en América, onde tocou o seu Terceiro Concerto para piano dirixido por G. Mahler. A intensa actividade de concertos nas cidades de Rusia e no estranxeiro combinouse cunha creatividade non menos intensa, e na música desta década (na cantata "Primavera" - 1902, nos preludios op. 23, nos finais da Segunda Sinfonía e o Terceiro Concerto) hai moito entusiasmo e entusiasmo. E en composicións como os romances "Lilac", "It's good here", nos preludios en re maior e sol maior, "a música das forzas cantantes da natureza" soou cunha penetración sorprendente.
Pero nos mesmos anos tamén se senten outros estados de ánimo. Pensamentos tristes sobre a patria e o seu destino futuro, reflexións filosóficas sobre a vida e a morte dan lugar a tráxicas imaxes da Primeira Sonata para piano, inspirada no Fausto de Goethe, o poema sinfónico “A illa dos mortos” baseado no cadro do artista suízo. A. Böcklin (1909), moitas páxinas do Terceiro Concerto, romances op. 26. Os cambios internos fixéronse especialmente perceptibles a partir de 1910. Se no Terceiro Concerto a traxedia é finalmente superada e o concerto remata cunha apoteose xubilosa, nas obras que o seguiron afonda continuamente, dando vida a imaxes agresivas, hostís, sombrías, estados de ánimo deprimidos. A linguaxe musical faise máis complexa, o amplo alento melódico tan característico de Rachmaninov desaparece. Tales son o poema vocal-sinfónico “As campás” (no st. E. Poe, traducido por K. Balmont – 1913); romances op. 34 (1912) e op. 38 (1916); Estudos-pinturas op. 39 (1917). Non obstante, foi neste momento cando Rachmaninoff creou obras cheas de alto significado ético, que se converteron na personificación da beleza espiritual perdurable, a culminación da melodía de Rachmaninov: "Vocalise" e "All-Night Vigil" para coro a capella (1915). “Desde neno, me fascinaron as magníficas melodías de Oktoikh. Sempre sentín que se necesitaba un estilo especial, especial para o seu procesamento coral, e, paréceme, atopeino nas Vésperas. Non podo evitar confesar. que a primeira interpretación do Coro Sinodal de Moscova deume unha hora do máis feliz pracer”, lembrou Rachmaninov.
O 24 de decembro de 1917, Rachmaninov e a súa familia abandonaron Rusia para sempre. Durante máis dun cuarto de século viviu nunha terra estranxeira, nos EE.UU., e este período estivo cheo maioritariamente dunha actividade concertística esgotadora, sometida ás crueis leis do negocio musical. Rachmaninov utilizou unha parte importante dos seus honorarios para proporcionar apoio material aos seus compatriotas no estranxeiro e en Rusia. Entón, toda a colección para a actuación en abril de 1922 foi transferida en beneficio dos morrer de fame en Rusia, e no outono de 1941 Rakhmaninov enviou máis de catro mil dólares ao fondo de axuda do Exército Vermello.
No estranxeiro, Rachmaninoff viviu illado, limitando o seu círculo de amigos aos inmigrantes de Rusia. Só se fixo unha excepción para a familia de F. Steinway, o xefe da empresa de pianos, con quen Rachmaninov mantiña relacións amistosas.
Os primeiros anos da súa estadía no estranxeiro, Rachmaninov non deixou o pensamento da perda da inspiración creativa. “Despois de saír de Rusia, perdín as ganas de compoñer. Despois de perder a miña terra, perdínme a min mesmo". Só 8 anos despois de saír do estranxeiro, Rachmaninov volve á creatividade, crea o Cuarto Concerto para piano (1926), Tres cancións rusas para coro e orquestra (1926), Variacións sobre un tema de Corelli para piano (1931), Rapsodia sobre un tema de Paganini (1934), Terceira Sinfonía (1936), “Danzas sinfónicas” (1940). Estas obras son a última e máis alta subida de Rachmaninoff. Un triste sentimento de perda irreparable, unha ansia ardente por Rusia orixina unha arte de enorme poder tráxico, que alcanza o seu clímax nas Danzas Sinfónicas. E na brillante Terceira Sinfonía, Rachmaninoff encarna por última vez o tema central da súa obra: a imaxe da Patria. O pensamento severamente concentrado e intenso do artista evócao desde o máis profundo dos séculos, xorde como un recordo infinitamente querido. Nun complexo entrecruzamento de diversos temas, episodios, emerxe unha perspectiva ampla, recréase unha épica dramática do destino da Patria, que remata cunha afirmación vital vitoriosa. Así que a través de todas as obras de Rachmaninoff leva a inviolabilidade dos seus principios éticos, a súa elevada espiritualidade, a fidelidade e o amor ineludible pola Patria, cuxa personificación foi a súa arte.
O. Averianova
- Museo-estado de Rachmaninov en Ivanovka →
- Obras para piano de Rachmaninoff →
- Obras sinfónicas de Rachmaninoff →
- Arte instrumental de cámara de Rachmaninov →
- Obras de ópera de Rachmaninoff →
- Obras corais de Rachmaninoff →
- Romances de Rachmaninoff →
- Rachmaninov-conductor →
Características da creatividade
Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, xunto con Scriabin, é unha das figuras centrais da música rusa dos anos 1900. A obra destes dous compositores atraeu especialmente a atención dos contemporáneos, discutiron acaloradamente sobre iso, comezaron fortes discusións impresas arredor das súas obras individuais. A pesar de toda a disemellanza da aparencia individual e da estrutura figurativa da música de Rachmaninov e Scriabin, os seus nomes apareceron a miúdo xuntos nestas disputas e comparáronse entre si. Había razóns puramente externas para tal comparación: ambos eran alumnos do Conservatorio de Moscova, que se graduaron case simultáneamente e estudaron cos mesmos profesores, ambos se destacaron inmediatamente entre os seus compañeiros pola forza e o brillo do seu talento, recibindo recoñecementos non. só como compositores de gran talento, pero tamén como pianistas destacados.
Pero tamén había moitas cousas que os separaban e que ás veces os colocaban en diferentes lados da vida musical. O atrevido innovador Scriabin, que abriu novos mundos musicais, opúxose a Rachmaninov como un artista de pensamento máis tradicional que baseaba o seu traballo nos sólidos fundamentos da herdanza clásica nacional. “G. Rachmaninoff, escribiu un dos críticos, é o alicerce ao redor do cal se agrupan todos os campións da dirección real, todos aqueles que valoran as bases postas por Mussorgski, Borodin, Rimsky-Korsakov e Tchaikovsky.
Non obstante, a pesar de todas as diferenzas nas posicións de Rachmaninov e Scriabin na súa realidade musical contemporánea, víronse unidos non só polas condicións xerais para a educación e o crecemento dunha personalidade creativa na súa mocidade, senón tamén por algúns trazos máis profundos de común. . "Un talento rebelde e inquedo" - así se caracterizou Rakhmaninov na prensa. Foi esta impulsividade inqueda, a excitación do ton emocional, característico da obra de ambos os compositores, a que a fixo especialmente querida e próxima a amplos círculos da sociedade rusa de principios do século XIX, coas súas ansiosas expectativas, aspiracións e esperanzas. .
"Scriabin e Rachmaninoff son os dous 'gobernantes dos pensamentos musicais' do mundo musical ruso moderno <...> Agora comparten a hexemonía entre eles no mundo musical", admitiu LL Sabaneev, un dos máis entusiastas apologistas do primeiro e un adversario igualmente teimudo e detractor do segundo. Outro crítico, máis moderado nos seus xuízos, escribiu nun artigo dedicado a unha descrición comparativa dos tres representantes máis destacados da escola musical de Moscova, Taneyev, Rachmaninov e Scriabin: o ton da vida moderna e febrilmente intensa. Ambas son as mellores esperanzas da Rusia moderna".
Durante moito tempo, a visión de Rachmaninoff como un dos herdeiros e sucesores máis próximos de Tchaikovsky dominou. A influencia do autor de The Queen of Spades, sen dúbida, xogou un papel importante na formación e desenvolvemento da súa obra, o que é bastante natural para un graduado do Conservatorio de Moscova, alumno de AS Arensky e SI Taneyev. Ao mesmo tempo, tamén percibiu algunhas das características da escola de compositores de "Petersburgo": o lirismo excitado de Tchaikovsky combínase en Rachmaninov coa dura grandeza épica de Borodin, a profunda penetración de Mussorgsky no sistema do pensamento musical ruso antigo e a percepción poética da natureza nativa de Rimski-Korsakov. Porén, todo o aprendido de profesores e predecesores foi profundamente repensado polo compositor, obedecendo á súa forte vontade creativa e adquirindo un novo carácter individual completamente independente. O estilo profundamente orixinal de Rachmaninov ten unha gran integridade interna e organicidade.
Se buscamos paralelismos con el na cultura artística rusa do cambio de século, esta é, en primeiro lugar, a liña Chekhov-Bunin na literatura, as paisaxes líricas de Levitan, Nesterov, Ostroukhov na pintura. Estes paralelismos foron sinalados repetidamente por varios autores e convertéronse case en estereotipados. Sábese con que amor ardente e respecto Rakhmaninov tratou o traballo e a personalidade de Chekhov. Xa nos últimos anos da súa vida, lendo as cartas do escritor, lamentou que non o coñecera máis de preto no seu tempo. O compositor estivo asociado con Bunin durante moitos anos por simpatía mutua e puntos de vista artísticos comúns. Foron reunidos e relacionados por un amor apaixonado pola súa natureza nativa rusa, polos sinais dunha vida sinxela que xa está deixando nas proximidades inmediatas dunha persoa ao mundo que o rodea, a actitude poética do mundo, coloreada de profundidades. o lirismo penetrante, a sede de liberación espiritual e a liberación das cadeas que limitan a liberdade da persoa humana.
A fonte de inspiración de Rachmaninov foi unha variedade de impulsos emanados da vida real, a beleza da natureza, as imaxes da literatura e da pintura. "... Descubro", dixo, "que as ideas musicais nacen en min con maior facilidade baixo a influencia de certas impresións extramusicais". Pero ao mesmo tempo, Rachmaninov esforzouse non tanto por un reflexo directo de certos fenómenos da realidade por medio da música, por "pintar en sons", senón pola expresión da súa reacción emocional, sentimentos e experiencias xurdidas baixo a influencia de varios impresións recibidas externamente. Neste sentido, podemos falar del como un dos representantes máis rechamantes e típicos do realismo poético do 900, cuxa tendencia principal foi formulada con éxito por VG Korolenko: “Non só reflectimos os fenómenos tal e como son e facemos. non crear unha ilusión por capricho mundo inexistente. Creamos ou manifestamos unha nova relación do espírito humano co mundo circundante que nace en nós.
Un dos trazos máis característicos da música de Rachmaninov, que chama a atención en primeiro lugar cando se familiariza con ela, é a melodía máis expresiva. Entre os seus contemporáneos, destaca pola súa capacidade para crear melodías de amplo e longo desenvolvemento de gran respiración, combinando a beleza e plasticidade do debuxo cunha expresión brillante e intensa. O melodismo, a melodiosidade é a principal calidade do estilo de Rachmaninov, que determina en gran medida a natureza do pensamento harmónico do compositor e a textura das súas obras, saturadas, por regra xeral, con voces independentes, que se moven ao primeiro plano ou desaparecen nun denso denso. tecido sonoro.
Rachmaninoff creou o seu propio tipo de melodía moi especial, baseado nunha combinación das técnicas características de Tchaikovsky: un desenvolvemento melódico dinámico intensivo co método de transformacións variantes, realizado con máis fluidez e calma. Despois dun rápido despegue ou dun longo e intenso ascenso ata o cumio, a melodía, por así dicir, conxélase no nivel acadado, volvendo invariablemente a un son cantado durante moito tempo, ou lentamente, con salientes elevados, volve á súa altura orixinal. A relación inversa tamén é posible, cando unha estancia máis ou menos longa nunha zona limitada de gran altitude se rompe de súpeto polo curso da melodía durante un amplo intervalo, introducindo un ton de expresión lírica nítida.
En tal interpenetración de dinámica e estática, LA Mazel ve un dos trazos máis característicos da melodía de Rachmaninov. Outro investigador dá un significado máis xeral á proporción destes principios na obra de Rachmaninov, sinalando a alternancia de momentos de "freada" e "avanzamento" que subxace a moitas das súas obras. (VP Bobrovsky expresa unha idea semellante, sinalando que "o milagre da individualidade de Rachmaninoff reside na unidade orgánica única de dúas tendencias dirixidas opostamente e a súa síntese só inherente a el": unha aspiración activa e unha tendencia a "permanenciar moito no que foi". conseguido").. Unha afección ao lirismo contemplativo, unha inmersión prolongada nalgún estado de ánimo, coma se o compositor quixese deter o tempo fugaz, combinou cunha enorme e precipitada enerxía exterior, unha sede de autoafirmación activa. De aí a forza e a nitidez dos contrastes na súa música. Procurou levar cada sentimento, cada estado de ánimo ao grao extremo de expresión.
Nas melodías líricas que se desenvolven libremente de Rachmaninov, coa súa respiración longa e ininterrompida, adoita escoitarse algo semellante á "inevitable" amplitude da canción popular rusa persistente. Ao mesmo tempo, con todo, a conexión entre a creatividade de Rachmaninov e a composición de cancións populares era de natureza moi indirecta. Só en casos raros e illados o compositor recorreu ao uso de melodías populares xenuínas; non se esforzaba por unha semellanza directa das súas propias melodías coas folk. "En Rachmaninov", sinala con razón o autor dun traballo especial sobre a súa melódica, "raramente aparece directamente unha conexión con certos xéneros da arte popular. En concreto, o xénero adoita disolverse no "sentimento" xeral do folk e non é, como ocorreu cos seus predecesores, o inicio cimentante de todo o proceso de conformación e de converterse nunha imaxe musical. En reiteradas ocasións, chamou a atención sobre trazos tan característicos da melodía de Rachmaninov, que a achegan á canción popular rusa, como a suavidade de movemento con predominio de movementos escalonados, o diatonicismo, a abundancia de xiros frixios, etc. Asimilado profundamente e orgánicamente. polo compositor, estes trazos convértense nunha propiedade inalienable do estilo do seu autor individual, adquirindo unha especial coloración expresiva propia só del.
A outra cara deste estilo, tan irresistiblemente impresionante como a riqueza melódica da música de Rachmaninov, é un ritmo inusualmente enérxico, imperiosamente conquistador e á vez flexible, ás veces caprichoso. Tanto os contemporáneos do compositor como os posteriores investigadores escribiron moito sobre este ritmo especificamente de Rachmaninoff, que involuntariamente atrae a atención do oínte. Moitas veces é o ritmo o que determina o ton principal da música. AV Ossovsky observou en 1904 respecto do último movemento da Segunda Suite para dous pianos que Rachmaninov nela “non tiña medo de afondar o interese rítmico da forma de Tarantela nunha alma inqueda e escura, non allea aos ataques dalgún tipo de demonismo. veces."
O ritmo aparece en Rachmaninov como portador dun principio volitivo eficaz que dinamiza o tecido musical e introduce unha "enchenta de sentimentos" lírica na corrente principal dun conxunto harmonioso arquitectónicamente completo. BV Asafiev, comparando o papel do principio rítmico nas obras de Rachmaninov e Tchaikovsky, escribiu: "Non obstante, neste último, a natureza fundamental da súa" inqueda "sinfonía manifestouse con especial forza na colisión dramática dos propios temas. Na música de Rachmaninov, o moi apaixonado na súa integridade creativa, a unión do almacén lírico-contemplativo do sentimento co forte almacén organizativo do “eu” do compositor-intérprete resulta ser esa “esfera individual” de contemplación persoal, que estaba controlada polo ritmo no significado do factor volitivo...”. O patrón rítmico en Rachmaninov sempre está moi claramente esbozado, independentemente de se o ritmo é sinxelo, mesmo, como os ritmos pesados e medidos dunha campá grande, ou complexo e intrincadamente florido. Favorito polo compositor, especialmente nas obras da década de 1910, o ostinato rítmico dálle ao ritmo un significado non só formativo, senón tamén temático nalgúns casos.
No campo da harmonía, Rachmaninoff non foi máis aló do sistema clásico maior-menor na forma que adquiriu na obra dos compositores románticos europeos, Tchaikovsky e representantes do Mighty Handful. A súa música é sempre tonalmente definida e estable, pero ao utilizar os medios da harmonía tonal clásico-romántica, caracterizouse por algúns trazos característicos polos que non é difícil establecer a autoría dunha ou outra composición. Entre as características individuais tan especiais da linguaxe harmónica de Rachmaninov están, por exemplo, a coñecida lentitude do movemento funcional, a tendencia a permanecer nunha tecla durante moito tempo e, ás veces, o debilitamento da gravidade. Chámase a atención a abundancia de complexas formacións multiterceiras, filas de acordes non e undecimais, que a miúdo teñen un significado máis colorido, fónico que funcional. A conexión deste tipo de harmonías complexas realízase principalmente coa axuda da conexión melódica. O dominio do elemento da canción melódica na música de Rachmaninov determina o alto grao de saturación polifónica do seu tecido sonoro: os complexos harmónicos individuais xorden constantemente como resultado do movemento libre de voces "cantantes" máis ou menos independentes.
Hai un xiro harmónico favorito de Rachmaninoff, que usou tantas veces, especialmente nas composicións do primeiro período, que mesmo recibiu o nome de "harmonía de Rachmaninov". Esta rotación baséase nun acorde de sétima introdutorio reducido dun menor harmónico, normalmente usado en forma de terzkvartakkord coa substitución do II grao III e resolución nunha tríada tónica na terceira posición melódica.
O paso a un cuarto reducido que xurde neste caso na voz melódica evoca un conmovedor sentimento de tristeza.
Como unha das características notables da música de Rachmaninov, unha serie de investigadores e observadores sinalaron a súa cor menor predominante. Os seus catro concertos para piano, tres sinfonías, ambas sonatas para piano, a maioría dos estudos-cadros e moitas outras composicións foron escritas en menor. Incluso o maior adoita adquirir unha coloración menor debido ás alteracións decrecentes, as desviacións tonais e o uso xeneralizado de pasos secundarios menores. Pero poucos compositores acadaron tanta variedade de matices e graos de concentración expresiva no uso da tonalidade menor. A observación de LE Gakkel de que nos estudos-pinturas op. 39 "dada a máis ampla gama de cores menores do ser, os matices menores do sentimento da vida" pódense estender a unha parte significativa de toda a obra de Rachmaninoff. Críticos como Sabaneev, que albergaba unha hostilidade prexudicada cara a Rachmaninov, cualificárono de "un chorrito intelixente", cuxa música reflicte "a tráxica impotencia dun home carente de forza de vontade". Mentres tanto, o denso menor "escuro" de Rachmaninov soa a miúdo valente, protestante e cheo de tremenda tensión volitiva. E se as notas tristes son captadas polo oído, esta é a "nobre dor" do artista patriota, ese "xemido abafado sobre a terra natal", que escoitou M. Gorki nalgunhas obras de Bunin. Como esta escritora próxima a el, Rachmaninov, en palabras de Gorki, "pensaba en Rusia como un todo", lamentando as súas perdas e experimentando ansiedade polo destino do futuro.
A imaxe creativa de Rachmaninov nas súas principais características mantívose integral e estable ao longo do medio século de viaxe do compositor, sen experimentar fortes fracturas e cambios. Principios estéticos e estilísticos, aprendidos na súa mocidade, foi fiel aos últimos anos da súa vida. Con todo, podemos observar unha certa evolución na súa obra, que se manifesta non só no crecemento da habilidade, o enriquecemento da paleta sonora, senón que tamén afecta parcialmente á estrutura figurativa e expresiva da música. Nese camiño debúxanse con claridade tres períodos grandes, aínda que desiguais tanto na duración como no seu grao de produtividade. Están delimitados entre si por cesuras temporais máis ou menos longas, bandas de dúbida, reflexión e vacilación, cando da pluma do compositor non saía nin unha obra rematada. O primeiro período, que cae na década dos 90 do século XNUMX, pódese chamar un momento de desenvolvemento creativo e maduración do talento, que foi para afirmar o seu camiño a través da superación das influencias naturais a unha idade temperá. As obras deste período moitas veces non son o suficientemente independentes, imperfectas na forma e na textura. (Algúns deles (First Piano Concerto, Elegíaco Trío, pezas para piano: Melody, Serenade, Humoresque) foron posteriormente revisados polo compositor e a súa textura foi enriquecida e desenvolvida.), aínda que nalgunhas das súas páxinas (os mellores momentos da ópera xuvenil “Aleko”, o Trío elexíaco en lembranza de PI Tchaikovsky, o famoso preludio en do sostido menor, algúns dos momentos musicais e romances), a individualidade do compositor. xa foi revelado con suficiente certeza.
En 1897 prodúcese unha pausa inesperada, tras a infructuosa interpretación da Primeira Sinfonía de Rachmaninov, unha obra na que o compositor investiu moito traballo e enerxía espiritual, que foi mal entendida pola maioría dos músicos e case unánimemente condenada nas páxinas da prensa, incluso ridiculizada. por algúns dos críticos. O fracaso da sinfonía causou un profundo trauma mental en Rachmaninoff; segundo o seu, confesión posterior, "era coma un home que sufriu un ictus e que durante moito tempo perdeu a cabeza e as mans". Os tres anos seguintes foron anos de silencio creativo case completo, pero ao mesmo tempo de reflexións concentradas, de revalorización crítica de todo o feito anteriormente. O resultado deste intenso traballo interno do compositor sobre si mesmo foi un repunte creativo inusualmente intenso e brillante a principios do novo século.
Durante os primeiros tres ou catro anos do século 23, Rakhmaninov creou unha serie de obras de varios xéneros, notables pola súa profunda poesía, frescura e inmediatez de inspiración, na que a riqueza da imaxinación creativa e a orixinalidade da "escritura" do autor. combínanse con artesanía de alto acabado. Entre eles están o Segundo Concerto para piano, a Segunda Suite para dous pianos, a sonata para violonchelo e piano, a cantata “Primavera”, Dez Preludios op. XNUMX, a ópera "Francesca da Rimini", algúns dos mellores exemplos das letras vocales de Rachmaninov ("Lila", "Fragmento de A. Musset"), Esta serie de obras estableceu a posición de Rachmaninoff como un dos compositores rusos máis importantes e interesantes. do noso tempo, aportándolle un amplo recoñecemento nos círculos da intelectualidade artística e entre as masas de oíntes.
Un período relativamente curto de 1901 a 1917 foi o máis fructífero na súa obra: ao longo desta década e media escribiuse a maioría das obras de Rachmaninov maduras e independentes, que se converteron en parte integrante dos clásicos musicais nacionais. Case todos os anos trouxo novos opus, cuxa aparición se converteu nun acontecemento notable na vida musical. Coa incesante actividade creativa de Rachmaninoff, o seu traballo non se mantivo inalterado durante este período: no cambio das dúas primeiras décadas, os síntomas dun cambio de elaboración de cervexa son perceptibles nel. Sen perder as súas calidades "xenéricas" xerais, tórnase máis severo, os estados de ánimo perturbadores intensifícanse, mentres que a efusión directa do sentimento lírico parece ralentizarse, as cores claras transparentes aparecen con menos frecuencia na paleta de sons do compositor, a cor xeral da música. escurece e engrosa. Estes cambios son perceptibles na segunda serie de preludios para piano, op. 32, dous ciclos de estudos-pinturas, e sobre todo de grandes composicións tan monumentais como "As campás" e "All-Night Vigil", que plantexan cuestións profundas e fundamentais sobre a existencia humana e o propósito vital dunha persoa.
A evolución experimentada por Rachmaninov non escapou á atención dos seus contemporáneos. Un dos críticos escribiu sobre As campás: "Rakhmaninov parece que comezou a buscar novos estados de ánimo, unha nova forma de expresar os seus pensamentos... Sentes aquí o novo estilo renacido de Rachmaninov, que non ten nada en común co estilo de Tchaikovsky. ”
Despois de 1917, comeza unha nova ruptura na obra de Rachmaninov, esta vez moito máis longa que a anterior. Só despois de toda unha década, o compositor volveu a compoñer música, tras arranxar tres cancións populares rusas para coro e orquestra e completar o Cuarto Concerto para piano, iniciado na véspera da Primeira Guerra Mundial. Durante os anos 30 escribiu (agás algunhas transcricións de concertos para piano) só catro, con todo, significativas en canto á idea de obras principais.
* * *
Nun ambiente de buscas complexas, moitas veces contraditorias, unha intensa e intensa loita de direccións, unha ruptura das formas habituais de conciencia artística que caracterizaron o desenvolvemento da arte musical na primeira metade do século XIX, Rachmaninoff mantívose fiel ao gran clásico. tradicións da música rusa de Glinka a Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov e os seus estudantes e seguidores máis próximos e directos de Taneyev, Glazunov. Pero non se limitou ao papel de gardián destas tradicións, senón que as percibiu de forma activa e creativa, afirmando o seu poder vivo e inesgotable, a capacidade de desenvolvemento e enriquecemento. Artista sensible e impresionable, Rachmaninov, a pesar da súa adhesión aos preceptos dos clásicos, non permaneceu xordo ás chamadas da modernidade. Na súa actitude ante as novas tendencias estilísticas do século XNUMX, houbo un momento non só de confrontación, senón tamén de certa interacción.
Durante un período de medio século, a obra de Rachmaninov experimentou unha evolución significativa, e as obras non só dos anos 1930, senón tamén dos 1910 difieren significativamente tanto na súa estrutura figurativa como na linguaxe, medios de expresión musical dos primeiros anos, aínda non. opus completamente independentes do final do anterior. séculos. Nalgunhas delas, o compositor entra en contacto co impresionismo, o simbolismo, o neoclasicismo, aínda que dun xeito profundamente peculiar, percibe individualmente os elementos destas tendencias. Con todos os cambios e xiros, a imaxe creativa de Rachmaninov mantívose internamente moi integral, conservando aqueles trazos básicos e definitorios que a súa música debe a súa popularidade ao máis amplo abano de oíntes: lirismo apaixonante e cativante, veracidade e sinceridade de expresión, visión poética do mundo. .
Yu. Veña
Rachmaninoff director
Rachmaninov pasou á historia non só como compositor e pianista, senón tamén como un destacado director do noso tempo, aínda que este lado da súa actividade non foi tan longo e intenso.
Rachmaninov fixo o seu debut como director no outono de 1897 na Ópera Privada Mamontov de Moscova. Antes diso, non tiña que dirixir unha orquestra e estudar dirección, pero o talento brillante do músico axudou a Rachmaninoff a aprender rapidamente os segredos do dominio. Abonda con lembrar que apenas conseguiu rematar o primeiro ensaio: non sabía que os cantantes precisaban indicar as presentacións; e uns días despois, Rachmaninov xa fixera perfectamente o seu traballo, dirixindo a ópera de Saint-Saëns Sansón e Dalila.
"O ano da miña estadía na ópera Mamontov foi de gran importancia para min", escribiu. "Alí adquirín unha técnica de director xenuíno, que despois me serviu enormemente". Durante a tempada de traballo como segundo director do teatro, Rachmaninov dirixiu vinte e cinco representacións de nove óperas: "Sansón e Dalila", "Serea", "Carmen", "Orfeo" de Gluck, "Rogneda" de Serov, " Mignon” de Tom, “Askold's Grave”, “A forza do inimigo”, “Noite de maio”. A prensa observou enseguida a claridade do estilo do seu director, a naturalidade, a falta de postura, un férreo sentido do ritmo transmitido aos intérpretes, un gusto delicado e un marabilloso sentido das cores orquestrais. Coa adquisición de experiencia, estas características de Rachmaninoff como músico comezaron a manifestarse ao máximo, complementadas coa confianza e a autoridade ao traballar con solistas, coro e orquestra.
Nos próximos anos, Rachmaninoff, ocupado coa composición e a actividade pianística, dirixiu só ocasionalmente. O apoxeo do seu talento para a dirección recae no período 1904-1915. Desde hai dúas tempadas traballa no Teatro Bolshoi, onde a súa interpretación de óperas rusas goza de especial éxito. Os acontecementos históricos da vida do teatro son chamados polos críticos a actuación do aniversario de Ivan Susanin, que dirixiu en homenaxe ao centenario do nacemento de Glinka, e a Semana de Tchaikovsky, durante a cal Rachmaninov dirixiu A raíña de espadas, Eugene Onegin, Oprichnik. e ballets.
Máis tarde, Rachmaninov dirixiu a representación de A raíña de picas en San Petersburgo; os críticos coincidiron en que foi el o primeiro en comprender e transmitir ao público todo o significado tráxico da ópera. Entre os éxitos creativos de Rachmaninov no Teatro Bolshoi está tamén a súa produción da Pan Voevoda de Rimsky-Korsakov e as súas propias óperas O cabaleiro avaro e Francesca da Rimini.
No escenario da sinfónica, Rachmaninov desde os primeiros concertos demostrou ser un mestre completo a gran escala. O epíteto "brillante" certamente acompañou as críticas das súas actuacións como director. Na maioría das veces, Rachmaninoff apareceu no posto do director en concertos da Sociedade Filharmónica de Moscova, así como coas orquestras Siloti e Koussevitzky. En 1907-1913, dirixiu moito no estranxeiro, nas cidades de Francia, Holanda, Estados Unidos, Inglaterra e Alemaña.
O repertorio de Rachmaninov como director era inusualmente multifacético naqueles anos. Conseguiu penetrar no máis diverso estilo e carácter da obra. Por suposto, a música rusa estaba máis preto del. Reviviu no escenario a Sinfonía Bogatyr de Borodin, case esquecida por aquel entón, contribuíu á popularidade das miniaturas de Lyadov, que interpretou cunha brillantez excepcional. A súa interpretación da música de Tchaikovsky (especialmente a 4a e a 5a sinfonías) estivo marcada por unha significación e unha profundidade extraordinarias; nas obras de Rimsky-Korsakov, foi capaz de despregar a gama de cores máis brillante para o público, e nas sinfonías de Borodin e Glazunov, cativou ao público cunha amplitude épica e unha integridade dramática de interpretación.
Un dos pináculos da arte de dirección de Rachmaninov foi a interpretación da sinfonía en sol menor de Mozart. O crítico Wolfing escribiu: "¿Que significan moitas sinfonías escritas e impresas antes da interpretación de Rachmaninov da sinfonía g-moll de Mozart? … O xenio artístico ruso transformou e amosou por segunda vez a natureza artística do autor desta sinfonía. Non só podemos falar do Mozart de Pushkin, senón tamén do Mozart de Rachmaninov...
Xunto a isto, atopamos moita música romántica nos programas de Rachmaninov –por exemplo, a Sinfonía fantástica de Berlioz, as sinfonías de Mendelssohn e Franck, a obertura de Oberón de Weber e fragmentos das óperas de Wagner, o poema de Liszt e a Suite lírica de Grieg… E ao lado – unha magnífica actuación autores modernos: poemas sinfónicos de R. Strauss, obras dos impresionistas: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse... E, por suposto, Rachmaninov foi un insuperable intérprete das súas propias composicións sinfónicas. O coñecido musicólogo soviético V. Yakovlev, que escoitou a Rachmaninov máis dunha vez, lembra: "Non só o público e os críticos, os membros experimentados da orquesta, os profesores, os artistas recoñeceron o seu liderado como o punto máis alto nesta arte... Os seus métodos de traballo foron reducido non tanto a un espectáculo, senón a comentarios separados, explicacións malas, moitas veces cantaba ou explicaba dunha ou outra forma o que antes consideraba. Todos os que estiveron presentes nos seus concertos lembran aqueles xestos amplos e característicos de toda a man, non só do pincel; ás veces estes seus xestos eran considerados excesivos polos membros da orquestra, pero eran coñecidos e entendidos por eles. Non había artificialidade nos movementos, poses, nin efecto, nin debuxo a man. Houbo unha paixón sen límites, precedida polo pensamento, a análise, a comprensión e a percepción do estilo do intérprete.
Engademos que Rachmaninoff o director de orquesta era tamén un insuperable músico de conxunto; solistas nos seus concertos foron artistas como Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, e nas actuacións de ópera Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov...
Despois de 1913, Rachmaninoff negouse a interpretar obras doutros autores e só dirixiu as súas propias composicións. Só en 1915 se desviou desta regra dirixindo un concerto en memoria de Scriabin. Porén, aínda máis tarde a súa reputación como director de orquestra era inusualmente alta en todo o mundo. Basta dicir que inmediatamente despois de chegar aos Estados Unidos en 1918, ofrecéronlle o liderado das maiores orquestras do país, en Boston e Cincinnati. Pero daquela xa non podía dedicarse tempo á dirección, obrigado a realizar unha intensa actividade concertística como pianista.
Só no outono de 1939, cando se organizou en Nova York un ciclo de concertos das obras de Rachmaninov, o compositor accedeu a dirixir un deles. A continuación, a Orquestra de Filadelfia interpretou a Terceira Sinfonía e as campás. Repetiu o mesmo programa en 1941 en Chicago, e un ano despois dirixiu a representación de “Isle of the Dead” e “Symphonic Dances” en Egan Arbor. O crítico O. Daune escribiu: “Rakhmaninov demostrou que ten a mesma habilidade e control sobre a interpretación, a musicalidade e o poder creativo, dirixindo a orquestra, que mostra ao tocar o piano. O carácter e o estilo da súa interpretación, así como a súa dirección, golpean con calma e confianza. É a mesma ausencia total de ostentación, o mesmo sentido da dignidade e a obvia contención, a mesma admirable forza imperiosa. As gravacións de The Island of the Dead, Vocalise e a Terceira Sinfonía feitas naquela época conservaron para nós evidencias da arte de dirección do xenial músico ruso.
L. Grigoriev, J. Platek
