Andrey Yakovlevich Eshpay |

Andrey Eshpay

Unha única harmonía, un mundo cambiante... A voz de cada nación debería soar na polifonía do planeta, e isto é posible se un artista -escritor, pintor, compositor- expresa os seus pensamentos e sentimentos na súa linguaxe figurativa nativa. Canto máis nacional é un artista, máis individual é. A. Eshpay

En moitos sentidos, a propia biografía do artista predeterminou un toque reverente ao orixinal na arte. O pai do compositor, Y. Eshpay, un dos fundadores da música profesional Mari, inculcou no seu fillo o amor pola arte popular co seu traballo desinteresado. Segundo A. Eshpay, “O pai era significativo, profundo, intelixente e con tacto, moi modesto, un verdadeiro músico capaz de abnegarse. Gran coñecedor do folclore, parecía facer un lado como autor, vendo o seu deber de transmitir á xente a beleza e grandeza do pensamento popular. Decatouse de que era imposible axustar a escala pentatónica Mari... a calquera outro sistema harmonioso e independente, pero alleo ao sistema de arte popular. Sempre podo recoñecer o orixinal da obra de meu pai”.

A. Eshpay desde a infancia absorbeu o folclore de diferentes pobos da rexión do Volga, todo o sistema lírico-épico da dura rexión ugro. A guerra converteuse nun tema tráxico especial na vida e na obra do compositor: perdeu o seu irmán maior, cuxa memoria está dedicada á fermosa canción "Moscovites" ("Bredente con Malaya Bronna"), amigos. No pelotón de recoñecemento, Eshpay participou na liberación de Varsovia, na operación de Berlín. As clases de música interrompidas pola guerra retomáronse no Conservatorio de Moscova, onde Eshpay estudou composición con N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev e piano con V. Sofronitsky. Rematou os seus estudos de posgrao baixo a dirección de A. Khachaturian en 1956.

Nesta época creáronse Danzas sinfónicas sobre temas mariños (1951), Melodías húngaras para violín e orquestra (1952), Primeiro Concerto para piano (1954, 2a edición – 1987), Primeiro Concerto para violín (1956). Estas obras deron gran sona ao compositor, abriron os temas principais da súa obra, refractaron creativamente os preceptos dos seus profesores. É característico que Khachaturian, quen lle inculcou, segundo o compositor, un "gusto pola escala", influíu en gran medida nas ideas de Eshpai sobre o xénero dos concertos.

Especialmente indicativo é o Primeiro Concerto para violín coa súa temperamental explosividade, frescura, inmediatez na expresión dos sentimentos, aberto atractivo ao vocabulario folk e de xénero. Eshpay tamén está preto de Khachaturian co seu amor polo estilo de M. Ravel, que foi especialmente pronunciado no seu traballo para piano (First Piano Concerto, First Piano Sonatina – 1948). Harmonía, frescura, contaxio emocional e xenerosidade colorista tamén unen a estes mestres.

O tema de Myaskovsky é unha parte especial da obra de Eshpay. As posicións éticas, a propia imaxe dun destacado músico soviético, auténtico garda e reformador da tradición, resultaron ser un ideal para o seu seguidor. O compositor segue fiel ao precepto de Myaskovsky: "ser sincero, ardiente coa arte e liderar a propia liña". As obras conmemorativas en memoria de Myaskovsky están asociadas co nome do profesor: Organ Passacaglia (1950), Variacións para orquestra sobre un tema da XVI Sinfonía de Myaskovsky (1966), Segundo Concerto para violín (1977), Concerto para viola (1987-88), no que se utilizou o material do órgano Passacaglia. A influencia de Myaskovsky na actitude de Eshpay ante o folclore foi moi significativa: seguindo ao seu mestre, o compositor chegou a unha interpretación simbólica das cancións populares, á converxencia de diferentes capas tradicionais da cultura. O nome de Myaskovsky tamén está asociado a unha apelación a outra tradición máis importante para Eshpay, que se repite en moitas composicións, comezando polo ballet "Circle" ("Remember!" - 1979), - Znamenny cantando. En primeiro lugar, na Cuarta (1980), Quinta (1986), Sexta Sinfonía (“Litúrxica” (1988), Concerto Coral (1988) personifica, en primeiro lugar, o principio harmonioso, ilustrado, ethos, as propiedades orixinais de a autoconsciencia nacional, os principios fundamentais da cultura rusa.O significado especial adquire outro tema importante na obra de Eshpay: a lírica.Enraizada no tradicional, nunca se transforma en arbitrariedade individualista, as súas calidades inalienables destacan a moderación e o rigor, a obxectividade na expresión e moitas veces unha conexión directa coas entoacións cívicas.

A solución do tema militar, os xéneros do memorial, a apelación aos acontecementos decisivos -xa sexa a guerra, as datas históricas memorables- é peculiar, e as letras sempre están presentes na súa comprensión. Obras como a Primeira (1959), Segunda (1962) sinfonías, imbuídas de luz (o epígrafe da Primeira - as palabras de V. Mayakovsky "Debemos arrancar a alegría dos próximos días", o epígrafe da Segunda - "Louanza". á luz”), a cantata “Lenin connosco” (1968), que destaca polo seu pegadizo cartelista, brillo retórico na expresión e, ao mesmo tempo, a mellor paisaxe lírica, sentou as bases dunha orixinal fusión estilística de oratorio e lírico, obxectivo e persoal, significativo para as obras principais do compositor. A unidade de "choro e gloria, piedade e loanza" (D. Likhachev), tan significativa para a cultura rusa antiga, continúa en diferentes xéneros. Destacan especialmente a Terceira Sinfonía (In Memory of My Father, 1964), o Segundo Concerto para violín e viola, unha especie de ciclo grande: as Sinfonías Cuarta, Quinta e Sexta, o Concerto coral. Co paso dos anos, o significado do tema lírico adquire tintes simbólicos e filosóficos, cada vez máis purificación de todo o exterior, subxectivo-superficial, o memorial vístese en forma de parábola. É significativo cambiar o tema lírico do conto de fadas-folclore e da narración romántica-heroica no ballet Angara (1975) á imaxe xeralizada do ballet de advertencia Circle (Remember!). O significado universal das obras-dedicatorias imbuídas dun significado tráxico, ás veces triste, faise cada vez máis evidente. A elevada percepción da natureza conflitiva do mundo moderno e a sensibilidade da reacción artística a esta calidade son consistentes coa responsabilidade do compositor ante o patrimonio e a cultura. A quintaesencia da imaxe é "Cancións da montaña e do prado Mari" (1983). Esta composición, xunto co Concerto para oboe e orquestra (1982), foi galardoada co Premio Lenin.

A entoación obxectiva-lírica e o son "coral" colorean a interpretación do xénero do concerto, que encarna o principio individual. Expresado en varias formas: un memorial, unha acción meditativa, na recreación do folclore, nun chamamento a un modelo repensado dun vello concerto grosso, este tema é defendido coherentemente polo compositor. Ao mesmo tempo, no xénero do concerto, como noutras composicións, o compositor desenvolve motivos lúdicos, festivos, teatralizados, lixeireza de cores e a enerxía valente do ritmo. Isto nótase especialmente no Concerto para orquestra (1966), Segundo piano (1972), Oboe (1982). "Unha harmonía, un mundo en cambio" - estas palabras do ballet "Circle" poderían servir como epígrafe da obra do mestre. A transferencia de armonía, festividade nun mundo conflitivo e complicado é propia do compositor.

Simultaneamente coa encarnación do tema das tradicións, Eshpay recorre invariablemente ao novo e ao descoñecido. A combinación orgánica do tradicional e do innovador é inherente tanto ás visións sobre o proceso de composición como á propia obra do compositor. A amplitude e liberdade na comprensión das tarefas creativas reflíctese no propio achegamento ao material de xénero. Sábese que o tema e o vocabulario do jazz ocupan un lugar especial na obra do compositor. O jazz para el é dalgún xeito o custodio da propia música, así como do folclore. O compositor prestou moita atención á canción de masas e aos seus problemas, a música lixeira, a arte cinematográfica, que é importante en termos de potencial dramático e expresivo, unha fonte de ideas independentes. O mundo da música e a realidade viva aparecen nunha relación orgánica: segundo o compositor, "o marabilloso mundo da música non está pechado, nin illado, senón que é só unha parte do universo, que se chama vida".

M. Lobanova