Claudio Monteverdi (Claudio Monteverdi) |

Claudio Monteverdi

Monteverdi. Cantate Domino

Monteverdi defende os dereitos dos sentimentos e a liberdade na música. Malia as protestas dos defensores das regras, rompe as cadeas nas que se enredou a música, e quere que a partir de agora só siga os ditados do corazón. R. Rollan

A obra do compositor de ópera italiano C. Monteverdi é un dos fenómenos únicos na cultura musical do século XIX. No seu interese polo home, polas súas paixóns e sufrimentos, Monteverdi é un verdadeiro artista renacentista. Ningún dos compositores daquela conseguiu expresar na música o sentimento tráxico, da vida, de tal xeito, de achegarse a comprender a súa verdade, de revelar así a natureza primixenia dos personaxes humanos.

Monteverdi naceu no seo dunha familia de médicos. Os seus estudos musicais foron dirixidos por M. Ingenieri, músico experimentado, director de banda da catedral de Cremona. Desenvolveu a técnica polifónica do futuro compositor, presentouno as mellores obras corais de G. Palestrina e O. Lasso. Moiteverdi comezou a compoñer cedo. Xa a principios da década de 1580. publicáronse as primeiras coleccións de obras polifónicas vocais (madrigais, motetes, cantatas), e a finais desta década converteuse nun famoso compositor en Italia, membro da Academia de Sitio Cecilia de Roma. Desde 1590, Monteverdi serviu na capela da corte do duque de Mantua (primeiro como membro da orquestra e cantante, e despois como director de banda). Corte exuberante e rica Vincenzo Gonzaga atraeu as mellores forzas artísticas da época. Con toda probabilidade, Monteverdi podería reunirse co gran poeta italiano T. Tasso, o artista flamenco P. Rubens, membros da famosa camerata florentina, os autores das primeiras óperas – J. Peri, O. Rinuccini. Acompañando ao duque en frecuentes viaxes e campañas militares, o compositor viaxou a Praga, Viena, Innsbruck e Amberes. En febreiro de 1607, a ópera primeira de Monteverdi, Orfeo (libreto de A. Strigio), foi representada con gran éxito en Mantua. Monteverdi converteu unha obra pastoral destinada ás festas de pazo nun auténtico drama sobre o sufrimento e o tráxico destino de Orfeo, sobre a beleza inmortal da súa arte. (Monteverdi e Striggio conservaron a versión tráxica do desenlace do mito: Orfeo, abandonando o reino dos mortos, viola a prohibición, mira cara atrás a Eurídice e perdénaa para sempre). traballo. A declamación expresiva e unha ampla cantilena, coros e conxuntos, ballet, unha parte orquestral desenvolvida serven para plasmar unha idea profundamente lírica. Só se conserva unha escena da segunda ópera de Monteverdi, Ariadna (1608). Este é o famoso "Lamento de Ariadna" ("Déixame morrer..."), que serviu de prototipo para moitas arias de lamento (arias de queixa) na ópera italiana. (O Lamento de Ariadna coñécese en dúas versións: para voz solista e en forma de madrigal de cinco voces).

En 1613, Monteverdi trasladouse a Venecia e ata o final da súa vida permaneceu ao servizo do mestre de capela na catedral de San Marcos. A rica vida musical de Venecia abriu novas oportunidades para o compositor. Monteverdi escribe óperas, ballets, interludios, madrigais, música para festas da igrexa e da corte. Unha das obras máis orixinais destes anos é a escena dramática “O duelo de Tancredo e Clorinda” baseada no texto do poema “Xerusalém Liberada” de T. Tasso, que combina lectura (a parte do Narrador), interpretación (o partes recitativas de Tancredo e Clorinda) e unha orquestra que representa o curso do duelo, revela a natureza emocional da escena. En relación co "Duelo" Monteverdi escribiu sobre o novo estilo de concitato (emocionado, axitado), contrastándoo co estilo "suave, moderado" que imperaba naquela época.

Moitos dos madrigais de Monteverdi tamén se distinguen polo seu carácter dramático e de gran expresividade (a última, oitava colección de madrigais, 1638, creouse en Venecia). Neste xénero de música vocal polifónica formouse o estilo do compositor e produciuse a selección dos medios expresivos. A linguaxe harmónica dos madrigais é especialmente orixinal (comparacións tonais atrevidas, acordes cromáticos, disonantes, etc.). A finais da década de 1630 - principios dos 40. a obra operística de Monteverdi alcanza o seu apoxeo (“Retorno de Ulises á súa terra” – 1640, “Adonis” – 1639, “As vodas de Eneas e Lavinia” – 1641; as 2 últimas óperas non se conservan).

En 1642 puxo en escena en Venecia A coroación de Poppea de Monteverdi (libreto de F. Businello baseado nos Anais de Tácito). A última ópera do compositor de 75 anos converteuse nun auténtico pináculo, froito do seu camiño creativo. Nel actúan personaxes históricos específicos da vida real: o emperador romano Nerón, coñecido pola súa astucia e crueldade, o seu mestre, o filósofo Séneca. Moito en The Coronation suxire analoxías coas traxedias do brillante contemporáneo do compositor, W. Shakespeare. Apertura e intensidade das paixóns, contrastes nítidos, verdadeiramente “shakespeares”, de escenas sublimes e de xénero, comedia. Así, a despedida de Séneca aos estudantes –a culminación tráxica da oera– é substituída por un alegre interludio dun paxe e unha criada, e entón comeza unha auténtica orxía –Nerón e os seus amigos burlan do profesor, celebran a súa morte.

"A súa única lei é a vida mesma", escribiu R. Rolland sobre Monteverdi. Coa coraxe dos descubrimentos, a obra de Monteverdi adiantouse moito ao seu tempo. O compositor previu un futuro moi afastado do teatro musical: o realismo da dramaturxia operística de WA Mozart, G. Verdi, M. Mussorgsky. Quizais por iso o destino das súas obras foi tan sorprendente. Durante moitos anos permaneceron no esquecemento e volveron á vida só no noso tempo.

I. Okhalova

Fillo de médico e maior de cinco irmáns. Estudou música co MA Ingenieri. Aos quince anos publicou Melodías espirituais, en 1587, o primeiro libro de madrigais. En 1590, na corte do duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga converteuse en violista e cantor, entón líder da capela. Acompaña ao duque a Hungría (durante a campaña turca) e Flandes. En 1595 casa coa cantante Claudia Cattaneo, que lle dará tres fillos; morrerá en 1607 pouco despois do triunfo de Orfeo. Desde 1613 - un posto vitalicio de xefe da capela na República de Venecia; a composición de música sacra, os últimos libros de madrigais, obras dramáticas, maioritariamente perdidas. Ao redor de 1632 tomou o sacerdocio.

A obra operística de Monteverdi ten unha base moi sólida, sendo froito da experiencia previa na composición de madrigais e música sacra, xéneros nos que o mestre cremonés acadou resultados incomparables. As principais etapas da súa actividade teatral –polo menos, en función do que nos chegou– semellan ser dúas épocas claramente diferenciadas: a Mantua de principios de século e a veneciana, que cae no seu medio.

Sen dúbida, "Orfeo" é a declaración máis rechamante en Italia do estilo vocal e dramático de principios do século XVII. O seu significado vén determinado pola teatralidade, unha gran saturación de efectos, entre os que se inclúen apelacións orquestrais, sensibles e encantamentos, nos que a recitación do canto florentino (moi enriquecido con avatares emocionais) parece estar loitando con numerosas insercións de madrigales, polo que o canto de Orfeo é un exemplo case clásico da súa competencia.

Nas últimas óperas do período veneciano, escritas máis de trinta anos despois, pódense sentir os diversos cambios estilísticos que se produciron no melodrama italiano (sobre todo despois do florecemento da escola romana) e os correspondentes cambios nos medios expresivos, todos eles presentados. e combinado cunha gran liberdade nun lenzo dramático moi amplo, mesmo pródigo. Elimínanse ou redúcense significativamente episodios corais, ariose e recitativo combínanse de forma flexible e funcional en función das necesidades do drama, mentres que outras formas máis desenvolvidas e simétricas, con movementos rítmicos máis claros, introdúcense na arquitectónica teatral, anticipándose á técnica posterior de autonomización. a linguaxe operística, introdución, por así dicilo, modelos e esquemas formais, máis independentes das esixencias sempre cambiantes do diálogo poético.

Porén, Monteverdi, por suposto, non correu o risco de afastarse do texto poético, xa que sempre foi fiel ás súas ideas sobre a natureza e a finalidade da música como servidora da poesía, axudando a esta na súa excepcional capacidade de expresión. sentimentos humanos.

Non hai que esquecer que en Venecia o compositor atopou un ambiente propicio para un libreto con tramas históricas que avanzan no camiño da procura da “verdade”, ou, en todo caso, con tramas propicias para a investigación psicolóxica.

Memorable é a pequena ópera de cámara de Monteverdi “O duelo de Tancredo e Clorinda” ao texto de Torquato Tasso –de feito, un madrigal de estilo pictórico-; colocado na casa do conde Girolamo Mocenigo durante o entroido de 1624, este emocionou ao público, "casi arrincándolle as bágoas". Trátase dunha mestura de oratorio e ballet (os acontecementos represéntanse en pantomima), na que o gran compositor establece unha estreita, persistente e precisa conexión entre poesía e música ao estilo do máis puro recitado melodioso. O maior exemplo de poesía musicada, case conversacional, “Duel” inclúe momentos impresionantes e sublimes, místicos e sensuais nos que o son se converte case nun xesto figurativo. No final, unha pequena serie de acordes convértese nun "maior" radiante, no que a modulación remata sen o necesario ton principal, mentres que a voz realiza unha cadencia nunha nota non incluída no acorde, xa que neste momento. ábrese unha imaxe dun mundo diferente e novo. A palidez da moribunda Clorinda significa felicidade.

G. Marchesi (traducido por E. Greceanii)