Dmitry Dmitrievich Shostakovich |
Dmitri Xostakovich
D. Shostakovich é un clásico da música do século XNUMX. Ningún dos seus grandes mestres estivo tan estreitamente relacionado co difícil destino do seu país natal, non podía expresar con tanta forza e paixón as gritadoras contradicións do seu tempo, valoralo cun severo xuízo moral. É nesa complicidade do compositor coa dor e os problemas do seu pobo onde reside o significado principal da súa contribución á historia da música no século de guerras mundiais e grandes convulsións sociais, que a humanidade non coñecera antes.
Shostakovich é por natureza un artista de talento universal. Non hai un só xénero onde non dixo a súa palabra de peso. El entrou en contacto estreito co tipo de música que ás veces era tratada con arrogancia por músicos serios. É autor dunha serie de cancións recollidas polas masas populares, e ata hoxe as súas brillantes adaptacións da música popular e jazz, que lle gustaron especialmente na época da formación do estilo -no 20-. Anos 30, pracer. Pero o principal campo de aplicación das forzas creativas para el foi a sinfonía. Non porque outros xéneros de música seria lle fosen completamente alleos: estaba dotado dun talento insuperable como compositor de verdade teatral, e o traballo na cinematografía proporcionoulle os principais medios de subsistencia. Pero a groseira e inxusta reprimenda inflixida en 1936 no editorial do xornal Pravda baixo o epígrafe "Muddle en vez de música" desalentouno de dedicarse ao xénero da ópera durante moito tempo: os intentos realizados (a ópera "Players" de N. Gogol) quedou sen rematar e os plans non pasaron á fase de execución.
Quizais iso é precisamente o que afectaron os trazos de personalidade de Shostakovich: por natureza, non estaba inclinado a abrir formas de expresar protestas, cedeuse facilmente ante as teimosas nonidades debido á súa especial intelixencia, delicadeza e indefensión fronte á ruda arbitrariedade. Pero isto foi só na vida: na súa arte foi fiel aos seus principios creativos e afirmounos no xénero onde se sentía completamente libre. Polo tanto, a sinfonía conceptual converteuse no centro das procuras de Shostakovich, onde podía dicir abertamente a verdade sobre o seu tempo sen compromiso. Non obstante, non se negou a participar en empresas artísticas nacidas baixo a presión dos estritos requisitos para a arte impostas polo sistema de mando-administrativo, como a película de M. Chiaureli "A caída de Berlín", onde o eloxio desenfreado da grandeza. e a sabedoría do "pai das nacións" chegou ao límite extremo. Pero a participación neste tipo de monumentos cinematográficos, ou outras obras, ás veces mesmo talentosas, que distorsionaron a verdade histórica e crearon un mito agradable para o liderado político, non protexeron ao artista da brutal represalia cometida en 1948. O principal ideólogo do réxime estalinista. , A. Zhdanov, repetiu os duros ataques contidos nun vello artigo do xornal Pravda e acusou ao compositor, xunto con outros mestres da música soviética daquela época, de adhesión ao formalismo antipopular.
Posteriormente, durante o "desxeo" de Khrushchev, tales cargos foron retirados e as obras destacadas do compositor, cuxa interpretación pública foi prohibida, atoparon o camiño para o oínte. Pero o drama do destino persoal do compositor, que sobreviviu a un período de persecución inxusta, deixou unha pegada indeleble na súa personalidade e determinou a dirección da súa procura creativa, dirixida aos problemas morais da existencia humana na terra. Isto foi e segue sendo o principal que distingue a Shostakovich entre os creadores da música do século XIX.
O seu camiño vital non foi rico en acontecementos. Despois de graduarse no Conservatorio de Leningrado cun debut brillante: a magnífica Primeira Sinfonía, comezou a vida de compositor profesional, primeiro na cidade do Neva, despois durante a Gran Guerra Patriótica en Moscova. A súa actividade como profesor no conservatorio foi relativamente breve: deixouno en contra da súa vontade. Pero ata hoxe, os seus alumnos conservaron a memoria do gran mestre, que tivo un papel decisivo na formación da súa individualidade creativa. Xa na Primeira Sinfonía (1925) percíbense claramente dúas propiedades da música de Shostakovich. Un deles reflectiuse na formación dun novo estilo instrumental coa súa facilidade inherente, a facilidade de competición dos instrumentos de concerto. Outro manifestouse nun desexo persistente de darlle á música o máximo sentido, de revelar un concepto profundo de significado filosófico por medio do xénero sinfónico.
Moitas das obras do compositor que seguiron un comezo tan brillante reflectían a atmosfera inqueda da época, onde o novo estilo da época se forxou na loita de actitudes conflitivas. Así, nas Sinfonías Segunda e Terceira ("Outubro" - 1927, "Primeiro de maio" - 1929) Shostakovich rendeu homenaxe ao cartel musical, mostraron claramente a influencia da arte marcial e propagandística dos anos 20. (Non é casual que o compositor incluíse neles fragmentos corais de poemas dos mozos poetas A. Bezymensky e S. Kirsanov). Ao mesmo tempo, tamén mostraron unha vívida teatralidade, que tanto cativou nas producións de E. Vakhtangov e Vs. Meyerhold. Foron as súas actuacións as que influíron no estilo da ópera prima de Shostakovich O nariz (1928), baseada na famosa historia de Gogol. De aquí non só chega a aguda sátira, a parodia, chegando ao grotesco na descrición de personaxes individuais e aos crédulos, que entran rapidamente en pánico e se apresuran a xulgar á multitude, senón tamén esa conmovedora entoación da "risa entre bágoas", que nos axuda a recoñecer a unha persoa. mesmo nunha non entidade tan vulgar e deliberada, como o maior Kovalev de Gogol.
O estilo de Shostakovich non só absorbeu as influencias emanadas da experiencia da cultura musical mundial (aquí os máis importantes para o compositor foron M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky e G. Mahler), senón que tamén absorbeu os sons da vida musical daquela, que xeralmente cultura accesible do xénero "lixeiro" que dominaba a mente das masas. A actitude do compositor cara a ela é ambivalente: ás veces esaxera, parodia os xiros característicos das cancións e bailes de moda, pero ao mesmo tempo os ennobrece, elévaos á altura da arte real. Esta actitude foi especialmente pronunciada nos primeiros ballets The Golden Age (1930) e The Bolt (1931), no First Piano Concerto (1933), onde a trompeta solista convértese nun digno rival do piano xunto coa orquestra, e máis tarde en o scherzo e o final das Sextas sinfonías (1939). Virtuosismo brillante, excéntricos descarados combínanse nesta composición con letras sentidas, sorprendente naturalidade do despregue da melodía "interminable" na primeira parte da sinfonía.
E, finalmente, non se pode deixar de mencionar a outra cara da actividade creativa do mozo compositor: traballou duro e duro no cine, primeiro como ilustrador para a demostración de películas mudas, despois como un dos creadores de películas sonoras soviéticas. A súa canción da película "Oncoming" (1932) gañou popularidade en todo o país. Ao mesmo tempo, a influencia da "moza musa" tamén afectou o estilo, a linguaxe e os principios compositivos das súas composicións para concertos e filharmónicas.
O desexo de encarnar os conflitos máis agudos do mundo moderno cos seus grandiosos trastornos e feroces enfrontamentos de forzas opostas reflectiuse especialmente nas obras capitais do mestre do período dos anos 30. Un paso importante neste camiño foi a ópera Katerina Izmailova (1932), baseada na trama da historia de N. Leskov Lady Macbeth do distrito de Mtsensk. Na imaxe do personaxe principal, unha complexa loita interna revélase na alma dunha natureza que é enteira e ricamente dotada ao seu xeito, baixo o xugo das "abominacións do chumbo da vida", baixo o poder de cegos e irrazonables. paixón, ela comete crimes graves, seguidos de cruel castigo.
Porén, o compositor obtivo o maior éxito na Quinta Sinfonía (1937), o logro máis significativo e fundamental no desenvolvemento da sinfonía soviética nos anos 30. (Un xiro a unha nova calidade de estilo foi esbozado na Cuarta Sinfonía escrita anteriormente, pero despois non soou - 1936). A fortaleza da Quinta Sinfonía reside no feito de que as experiencias do seu heroe lírico revélanse na máis estreita conexión coa vida das persoas e, máis en xeral, de toda a humanidade, en vésperas do maior choque xamais experimentado polos pobos da mundo - a Segunda Guerra Mundial. Isto determinou o dramatismo enfatizado da música, a súa expresión realzada inherente: o heroe lírico non se converte nun contemplador pasivo nesta sinfonía, xulga o que está a suceder e o que está por vir co máis alto tribunal moral. Na indiferenza ante o destino do mundo, a posición cívica do artista, a orientación humanista da súa música, tamén incidiu. Pódese sentir noutras obras pertencentes aos xéneros da creatividade instrumental de cámara, entre as que destaca o Quinteto con piano (1940).
Durante a Gran Guerra Patriótica, Shostakovich converteuse nunha das primeiras filas dos artistas, loitadores contra o fascismo. A súa Sétima Sinfonía (“Leningrado”) (1941) foi percibida en todo o mundo como a voz viva dun pobo loitador, que entrou nunha loita a vida ou morte en nome do dereito a existir, en defensa do máis alto nivel humano. valores. Nesta obra, como na posterior Oitava Sinfonía (1943), o antagonismo dos dous bandos enfrontados atopou expresión directa e inmediata. Nunca antes na arte da música as forzas do mal foron representadas tan vívidamente, nunca antes se expuxo a mecánica aburrida dunha "máquina de destrución" fascista que traballa con tanta furia e paixón. Pero as sinfonías "militares" do compositor (así como noutras outras obras súas, por exemplo, no Trío con piano en memoria de I. Sollertinsky - 1944) están representadas con igual vivacidade nas sinfonías de "guerra" do compositor, as espirituais. beleza e riqueza do mundo interior dunha persoa que sofre os problemas do seu tempo.
Nos anos da posguerra, a actividade creativa de Shostakovich desenvolveuse con renovado vigor. Como antes, a liña principal das súas procuras artísticas presentábase en monumentais lenzos sinfónicos. Despois da novena un tanto alixeirada (1945), unha especie de intermezzo, que, porén, non estivo exenta de claros ecos da guerra recentemente rematada, o compositor creou a inspirada Décima Sinfonía (1953), que levantou o tema do tráxico destino do artista, a alta medida da súa responsabilidade no mundo moderno. Non obstante, o novo foi en gran parte froito dos esforzos das xeracións anteriores, é por iso que o compositor se sentiu tan atraído polos acontecementos dun punto de inflexión na historia rusa. A revolución de 1905, marcada polo Domingo sanguento o 9 de xaneiro, cobra vida na monumental Undécima Sinfonía programática (1957), e os logros do vitorioso 1917 inspiraron a Shostakovich para crear a Duodécima Sinfonía (1961).
As reflexións sobre o significado da historia, sobre o significado dos feitos dos seus heroes, tamén se reflectiron no poema vocal-sinfónico dunha parte "The Execution of Stepan Razin" (1964), que está baseado nun fragmento da obra de E. Yevtushenko. poema "A central hidroeléctrica de Bratsk". Pero os acontecementos do noso tempo, provocados por cambios drásticos na vida das persoas e na súa visión do mundo, anunciados polo XX Congreso do PCUS, non deixaron indiferente ao gran mestre da música soviética: o seu alento vivo é palpable no XIII. Symphony (1962), tamén escrita con palabras de E. Yevtushenko. Na decimocuarta sinfonía, o compositor recorreu aos poemas de poetas de diversas épocas e pobos (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) –atraeu o tema da fugacidade da vida humana e da eternidade da vida humana. creacións da verdadeira arte, ante a cal ata a morte soberana. O mesmo tema foi a base para a idea dun ciclo vocal-sinfónico baseado en poemas do gran artista italiano Michelangelo Buonarroti (1974). E por último, na última, XV Sinfonía (1971), as imaxes da infancia cobran vida de novo, recreadas ante a mirada dun creador sabio na vida, que coñeceu unha medida verdadeiramente inconmensurable do sufrimento humano.
A pesar de todo o significado da sinfonía na obra de posguerra de Shostakovich, está lonxe de esgotar todo o máis significativo que foi creado polo compositor nos últimos trinta anos da súa vida e camiño creativo. Prestou especial atención aos xéneros concertísticos e instrumentais de cámara. Creou dous concertos para violín (2 e 1948), dous para violonchelo (1967 e 1959) e o Segundo Concerto para piano (1966). As mellores obras deste xénero encarnan conceptos profundos de significado filosófico, comparables aos expresados con tanta forza impresionante nas súas sinfonías. A agudeza do choque entre o espiritual e o non espiritual, os impulsos máis elevados do xenio humano e o ataque agresivo da vulgaridade, a primitividade deliberada é palpable no Segundo Concerto para Violoncello, onde un simple motivo "de rúa" transfórmase fóra do recoñecemento, deixando ao descuberto o seu esencia inhumana.
Porén, tanto nos concertos como na música de cámara, o virtuosismo de Shostakovich revélase na creación de composicións que abren un espazo á libre competencia entre os músicos. Aquí o xénero principal que chamou a atención do mestre foi o tradicional cuarteto de corda (hai tantas escritas polo compositor como sinfonías – 15). Os cuartetos de Shostakovich sorprenden cunha variedade de solucións desde ciclos de varias partes (undécima – 1966) ata composicións dun só movemento (decimoterceira – 1970). Nalgunhas das súas obras de cámara (no Oitavo Cuarteto – 1960, na Sonata para viola e piano – 1975), o compositor volve á música das súas anteriores composicións dándolle un novo son.
Entre as obras doutros xéneros, pódese citar o monumental ciclo de Preludios e fugas para piano (1951), inspirado nas celebracións de Bach en Leipzig, o oratorio Canción dos bosques (1949), onde por primeira vez na música soviética plantexouse o tema da responsabilidade humana pola preservación da natureza que o rodea. Tamén podes nomear Dez poemas para coro a capella (1951), o ciclo vocal "Da poesía popular xudía" (1948), ciclos sobre poemas dos poetas Sasha Cherny ("Sátiras" - 1960), Marina Tsvetaeva (1973).
O traballo no cine continuou nos anos da posguerra: a música de Shostakovich para as películas "The Gadfly" (baseada na novela de E. Voynich - 1955), así como para as adaptacións das traxedias de Shakespeare "Hamlet" (1964) e "King Lear" (1971) fíxose moi coñecido. ).
Shostakovich tivo un impacto significativo no desenvolvemento da música soviética. Expresouse non tanto na influencia directa do estilo do mestre e dos medios artísticos característicos del, senón no desexo de un alto contido musical, a súa conexión cos problemas fundamentais da vida humana na terra. Humanista na súa esencia, de forma verdadeiramente artística, a obra de Shostakovich gañou o recoñecemento mundial, converteuse nunha clara expresión do novo que a música da Terra dos Soviets deu ao mundo.
M. Tarakanov
