Lección 4
Contidos
Un dos conceptos máis complexos da teoría musical é a polifonía musical. Non obstante, esta tamén é unha das categorías máis importantes, sen a cal é imposible entender a música orquestral, ou cantar un fermoso dúo dunha melodía complexa cun acompañamento musical de pleno dereito, ou mesmo gravar e mesturar un tema sinxelo, onde , ademais de son de voz, guitarra, baixo e batería.
Así que imos comezar.
O plan de acción está claro, así que poñémonos mans á obra!
O concepto de polifonía
O termo "polifonía" derivado do latín polyphonia, onde poly significa "moitos" e phonia tradúcese como "son". A polifonía significa o principio de engadir sons (voces e melodías) sobre a base da igualdade funcional.
Trátase da chamada polifonía, é dicir, a sonorización simultánea de dúas ou máis melodías e/ou voces. A polifonía implica a fusión harmónica de varias voces e/ou melodías independentes nunha única peza musical.
Ademais, a disciplina do mesmo nome "Polifonía" impártese en institucións de ensino musical nas facultades e departamentos de arte do compositor e musicoloxía.
O termo estranxeiro polifonía en ruso non sufriu transformacións significativas, agás para escribir en cirílico en lugar de latín. E, ao parecer, obedece á regra "como se escoita, así está escrito". O matiz é que este termo é escoitado de forma diferente por todos, e os acentos tamén se colocan de forma diferente.
Así, no "Dicionario da lingua eslava e rusa da Igrexa", publicado pola Academia Imperial de Ciencias en 1847, prescríbese enfatizar o segundo "o" na palabra "polifonía" e o segundo "e" na palabra. “polifónico” [Dicionario, V.3, 1847]. Aquí tes o que parece páxina desta edición:
Desde mediados do século XX e ata hoxe, dúas variantes de estrés coexisten pacíficamente na lingua rusa: na última "o" e na segunda letra "i". Así, na “Gran Enciclopedia Soviética” proponse facer fincapé no último “o” [V. Fraenov, 20]. Aquí Captura de pantalla da páxina de TSB:
No Dicionario explicativo, editado polo lingüista Sergei Kuznetsov, na palabra "polifonía" a segunda letra "i" está subaccentuada [S. Kuznetsov, 2000]. Na palabra "polifónica" a énfase está na letra "e", como en edicións anteriores:
Teña en conta que Google Translate admite esta última opción, e se introduce a palabra "polifonía" na columna de tradución e fai clic na icona do altofalante, escoitará claramente o acento na última letra "e". icona do altofalante rodeado en vermello na imaxe:
Agora que xa entendemos, en xeral, que é a polifonía e como se pronuncia correctamente esta palabra, podemos afondar no tema.
Orixe e desenvolvemento da polifonía
A polifonía é un fenómeno bastante complexo na música, e ten características propias nas diferentes culturas. Así, nos países de Oriente, a polifonía tiña inicialmente unha base predominantemente instrumental. Noutras palabras, os instrumentos musicais de cordas múltiples, os conxuntos de cordas, o acompañamento de cordas do canto estaban moi estendidos alí. Nos países occidentais, a polifonía era máis frecuentemente vocal. Era canto coral, incluída a acapella (sen acompañamento musical).
O desenvolvemento da polifonía na fase inicial adoita chamarse termo “heterofonía”, é dicir, disonancia. Así, alá polo século VII adoptouse a práctica de engadir unha, dúas ou máis voces ao son do coral, é dicir, o canto litúrxico.
Na era da Idade Media e do Renacemento, xeneralizouse o motete: voces con moitas voces. Non era un coral máis unha superestrutura de voces en estado puro. Este xa era un traballo vocal máis complexo, aínda que nel se notan moito os elementos da coral. En xeral, o motete converteuse nunha forma musical híbrida que absorbeu as tradicións do canto eclesiástico e secular.
O canto da igrexa tamén avanzou tecnicamente. Así, na Idade Media xeneralizouse a chamada misa católica. Baseábase na alternancia de partes solistas e corales. En xeral, as masas e motetes dos séculos XV-XVI utilizaron todo o arsenal da polifonía de forma bastante activa. O estado de ánimo creouse aumentando e diminuíndo a densidade do son, diferentes combinacións de voces agudas e baixas, a inclusión gradual de voces individuais ou grupos de voces.
Tamén se desenvolveu unha tradición de canto exclusivamente secular. Así, no século XVI, un formato de canción como un mandrigal está gañando popularidade. Trátase dunha obra a dúas ou tres voces, por regra xeral, de contido lírico amoroso. Os inicios desta cultura da canción apareceron xa no século XIV, pero nesa época non tiveron moito desenvolvemento. Os madrigais dos séculos XVI-XVII caracterízanse por unha variedade de ritmos, a liberdade de liderado da voz, o uso da modulación (transición a outra tonalidade ao final da obra).
O termo “richecar” provén do francés rechercher, que significa “buscar” (lembras do famoso Cherchez la femme?) e, en relación á música, pódese interpretar de diferentes xeitos. Inicialmente, o termo significaba a busca da entoación, máis tarde, a busca e desenvolvemento de motivos. As formas máis famosas de richecar son unha peza para clavier, unha peza para un conxunto instrumental ou vocal-instrumental.
O richecar máis antigo atopouse nunha colección de obras de teatro publicadas en 1540 en Venecia. Outras 4 pezas para o clavo atopáronse na colección de obras do compositor Girolamo Cavazzoni, publicada en 1543. A máis famosa é o richecar de 6 voces da Ofrenda musical de Bach, escrita polo gran xenio xa no século XVIII.
Cómpre sinalar que os estilos e a melodía da polifonía vocal estaban xa naqueles anos moi ligados ao texto. Entón, para textos líricos, os cánticos son característicos, e para frases curtas - recitación. En principio, o desenvolvemento das tradicións polifónicas pode reducirse a dúas tendencias polifónicas.
Tendencias polifónicas da Idade Media:
| ✔ | Carta estricta (estilo estrito) - regulación estrita dos principios da melodía e da voz, baseándose nos modos diatónicos. Utilizábase principalmente na música da igrexa. |
| ✔ | carta gratis (estilo libre) - unha gran variabilidade nos principios de construción de melodías e interpretación de voz, o uso de modos maior e menor. Utilizouse principalmente na música profana. |
Aprendeches sobre os trastes na lección anterior, polo que agora entendes o que está en xogo. Esta é a información máis xeral sobre o desenvolvemento das tradicións da polifonía. Pódense atopar máis detalles sobre a historia da formación da polifonía en diferentes culturas e tendencias polifónicas na literatura educativa especial do curso “Polifonía” [T. Muller, 1989]. Alí tamén podes atopar partituras de pezas musicais medievais e, se che interesa, aprender algunhas partes vocais e instrumentais. Por certo, se aínda non sabes cantar, pero queres aprender, podes dar os primeiros pasos cara ao dominio da voz estudando o noso curso “Desenvolvemento da voz e da fala”.
Agora é o momento de pasar ás técnicas da polifonía para comprender con máis claridade como se forma a polifonía nunha soa melodía.
Técnicas polifónicas
En calquera curso de formación en polifonía, podes atopar un termo como contrapunto. Procede da frase latina punctum contra punctum, que significa "punto contra punto". Ou, en relación á música, “nota contra nota”, “melodía contra melodía”.
Isto non cambia o feito de que o termo "contrapunto" teña varios significados diferentes. E agora vexamos algunhas técnicas básicas de polifonía.
imitación
A imitación é cando unha segunda voz (imitadora) únese ao son monofónico inicial despois dun tempo, que repite o paso soado anteriormente na mesma nota ou nunha nota diferente. Esquemáticamente parece do seguinte xeito:
Aclaremos que o termo “oposto” empregado no diagrama é unha voz que acompaña a outra voz nunha melodía polifónica. A consonancia harmónica conséguese mediante diversas técnicas: ritmo adicional, cambio de patrón melódico, etc.
Imitación canónica
Canónico, tamén é imitación continua, unha técnica máis complexa na que non só se repite o paso soado anteriormente, senón tamén a contra-adición. Así é parece un esquema:
O termo "ligazóns", que ves no diagrama, só se refire ás partes repetidas da imitación canónica. Na ilustración anterior, vemos 3 elementos da voz inicial, que se repiten pola voz imitadora. Polo tanto, hai 3 ligazóns.
Canon final e infinito
O canon finito e o canon infinito son variedades de imitación canónica. O canon infinito implica a devolución do material orixinal nalgún momento. O canon final non contempla tales devolucións. A figura anterior mostra unha variante do canon final. E agora imos ver como é o canon infinito, e comprende a diferenza:
Aclaramos que o canon infinito da 1a categoría significa unha imitación con 2 ligazóns, e o canon infinito da 2a categoría é unha imitación co número de ligazóns de 3 ou máis.
Secuencia simple
Unha secuencia sinxela é o movemento dun elemento polifónico a un tono diferente, mentres que a relación (intervalo) entre as partes compoñentes do elemento non cambia:
Así, no diagrama, a letra "A" denota convencionalmente a voz inicial, a letra "B" denota a voz imitadora e os números 1 e 2 indican o primeiro e o segundo desprazamento do elemento polifónico.
Contrapunto complexo
O contrapunto complexo é unha técnica polifónica que combina moitas técnicas polifónicas que permiten xerar novas melodías a partir da polifonía orixinal, ben cambiando a relación de voces ou facendo cambios nas melodías que compoñen a polifonía orixinal.
Variedades de contrapunto complexo:
Segundo a dirección de permutación das voces melódicas, distínguense contrapuntos móbiles verticais, horizontais e dobres (simultáneamente verticais e horizontais).
De feito, o contrapunto difícil só se chama "complexo". Se traballas ben o material da próxima lección de adestramento do oído, recoñecerás facilmente esta técnica polifónica de oído.
Estas son só algunhas das técnicas polifónicas máis sinxelas que un músico principiante pode entender. Podes aprender máis sobre estas e outras técnicas polifónicas no libro de texto do musicólogo, membro da Unión de Compositores de Rusia, membro correspondente da Academia Petrovsky de Ciencias e Artes Valentina Osipova "Polifonía. Técnicas polifónicas” [V. Osipova, 2006].
Despois de estudar algunhas das técnicas da polifonía, será máis doado comprender a clasificación dos tipos de polifonía.
Tipos de polifonía
Existen 4 tipos principais de polifonía. Cada un dos tipos baséase principalmente nun determinado tipo de técnicas polifónicas. Os nomes dos tipos de polifonía na maioría dos casos falan por si sós.
Cales son os tipos de polifonía?
| 1 | imitación – un tipo de polifonía na que distintas voces se turnan tocando a mesma melodía. A polifonía de imitación inclúe varios métodos de imitación. |
| 2 | subvocal – un tipo de polifonía, onde soan simultaneamente a melodía principal e as súas variacións, os chamados ecos. Os ecos poden ter diferentes graos de expresión e independencia, pero obedecen necesariamente á liña xeral. |
| 3 | Contrastante (diferente-escuro) – un tipo de polifonía, onde voces diferentes e moi contrastadas se combinan nun son común. O contraste é enfatizado pola diferenza de ritmos, acentos, clímax, a velocidade de movemento dos fragmentos da melodía e doutras formas. Ao mesmo tempo, a unidade e a harmonía da melodía son proporcionadas pola tonalidade xeral e as relacións de entoación. |
| 4 | Escondido – un tipo de polifonía, na que unha liña melódica monofónica, por así dicir, se divide en varias outras, cada unha das cales ten as súas propias inclinacións entoacionais. |
Podes ler máis sobre cada tipo de polifonía no libro “Polifonía. Técnicas polifónicas” [V. Osipova, 2006], polo que o deixamos ao seu criterio. Achegámonos a un tema tan importante para todos os músicos e compositores como a mestura de música.
Fundamentos de mestura de música
O concepto de "polifonía" está directamente relacionado coa mestura de música e obter unha pista de audio acabada. Antes aprendemos que a polifonía significa o principio de engadir sons (voces e melodías) sobre a base da igualdade funcional. Trátase da chamada polifonía, é dicir, a sonorización simultánea de dúas ou máis melodías e/ou voces. A polifonía implica a fusión harmónica de varias voces e/ou melodías independentes nunha única peza musical.
En rigor, mesturar música é a mesma polifonía, só nun ordenador, e non nun pentagrama musical. A mestura tamén implica a interacción de polo menos dúas liñas musicais: voz e "pista de acompañamento" ou acompañamento dun instrumento musical. Se hai moitos instrumentos, a mestura convértese nunha organización da interacción de moitas liñas melódicas, cada unha das cales pode ser continua ao longo de toda a obra, ou aparecer e desaparecer periodicamente.
Se retrocedes un pouco e miras de novo a representación esquemática das técnicas polifónicas, verás moito en común coa interface da maioría dos programas informáticos deseñados para traballar co son. Do mesmo xeito que a maioría das técnicas polifónicas se representan segundo o esquema "unha voz - unha pista", os programas de procesamento de son teñen unha pista separada para cada liña melódica. Así pode ser a versión máis sinxela de mesturar dúas pistas en SoundForge:
En consecuencia, se precisas mesturar, por exemplo, voz, guitarra eléctrica, baixo, sintetizador e batería, haberá 5 pistas. E se é preciso facer unha gravación orquestral de estudio, xa haberá varias ducias de temas, un para cada instrumento.
O proceso de mesturar música non é só seguir a notación musical e a localización exacta do comezo e do final das liñas musicais en relación entre si. Aínda que isto non é doado, se na gravación hai moitas corcheas, trinta segundos e sesenta e cuartas, que son máis difíciles de acertar que os enteiros.
Por suposto, o produtor de son debe escoitar e neutralizar as inclusións de sons alleos que poden aparecer mesmo cando se grava nun bo estudo, sen esquecer as gravacións realizadas na casa ou, pola contra, durante os concertos. Aínda que, unha gravación en directo tamén pode ser de moi alta calidade.
Un exemplo é o álbum en directo HAARP da banda británica de rock Muse. A gravación realizouse no estadio de Wembley. Despois, cunha diferenza de 1 día, tiveron lugar 2 concertos do grupo: os días 16 e 17 de xuño. Curiosamente, para a versión de audio en CD, levaron a gravación do 16 de xuño, e para a versión de vídeo en DVD, utilizaron gravación do concerto, celebrada o 17 de xuño de 2007:
En calquera caso, un enxeñeiro de son ou produtor de son terá que esforzarse moito para converter incluso unha polifonía complexa ben gravada nunha obra acabada en toda regla. Este é verdadeiramente un proceso creativo no que hai que ter en conta moitos matices. Pero, como vimos repetidamente, a música descríbese por categorías contables bastante específicas: hercios, decibelios, etc. E tamén hai criterios para a mestura de alta calidade dunha pista, e alí utilízanse conceptos artísticos tanto técnicos como subxectivos.
Criterios para a gravación de audio de calidade
Estes criterios foron desenvolvidos pola Organización Internacional para a Radiodifusión e Televisión (OIRT), que existía na segunda metade do século XX, e coñécense como Protocolo OIRT, e as disposicións do Protocolo aínda teñen moitas estruturas como base. para avaliar a calidade das gravacións de audio. Consideremos brevemente que criterios debe cumprir unha gravación de alta calidade segundo este Protocolo.
Visión xeral das disposicións do Protocolo OIRT:
1 | espacial impresión – enténdese que a gravación debe soar voluminosa e natural, o eco non debe afogar o son, as reflexións de reverberación e outros efectos especiais non deben interferir coa percepción da música. |
2 | Transparencia – implica a intelixibilidade da letra da canción e a distinguibilidade do son de todos e cada un dos instrumentos que participan na gravación. |
3 | Musical equilibrar – unha proporción cómoda do volume de voces e instrumentos, varias partes da obra. |
4 | Timbre – sonorización cómoda do timbre de voces e instrumentos, naturalidade da súa combinación. |
5 | estéreo – implica a simetría da posición dos sinais e reflexións directas, a uniformidade e naturalidade da localización das fontes sonoras. |
6 | Calidade parecer imaxe – ausencia de defectos, distorsións non lineais, interferencias, ruídos alleos. |
7 | Caracterización execución – tocar as notas, ritmo, tempo, entoación correcta, bo traballo en equipo. Permítese a desviación do tempo e do ritmo para conseguir unha maior expresión artística. |
8 | Rango dinámico – implica a relación entre o sinal útil e o ruído, a relación entre o nivel de son nos picos e as seccións máis silenciosas da gravación, a correspondencia da dinámica coas condicións de escoita esperadas. |
O cumprimento dos criterios do Protocolo avalíase nunha escala de 5 puntos. O Protocolo OIRT é o máis seguido na avaliación da música clásica, folk e jazz. Para a música electrónica, pop e rock, non existe un protocolo único para avaliar a calidade do son, e as disposicións do Protocolo OIRT teñen un carácter máis consultivo. Dun xeito ou doutro, para facer unha gravación de alta calidade son necesarias determinadas condicións técnicas. Falemos deles con máis detalle.
Soporte técnico
Arriba, xa comezamos a falar sobre o feito de que para un resultado final de alta calidade é importante o material de orixe de alta calidade. Entón, para a gravación de alta calidade de música jazz, clásica e folk, adoita usar a gravación nun par de micrófonos estéreo, que posteriormente non require mestura. En realidade, para a mestura utilízanse mesas de mestura analóxicas, dixitais ou virtuais (tamén son mesturas). Os secuenciadores úsanse para a mestura virtual de pistas.
Os fabricantes de programas informáticos para traballar co son normalmente prescriben os requisitos técnicos dun ordenador. Polo tanto, pode comprobar o cumprimento dos requisitos do dispositivo cando decida a elección do software. Ata a data, hai varios programas populares para o procesamento de audio e mestura de son.
Forxa sonora
En primeiro lugar, xa se mencionou anteriormente Forxa sonora. É conveniente porque ten un conxunto de funcións básicas de procesamento de son e podes atopar unha versión gratuíta en ruso [MoiProgrammy.net, 2020]:
Se precisa entender a versión en inglés, hai unha descrición detallada [B. Kairov, 2018].
Audacia
En segundo lugar, outro programa en ruso cómodo e sen complicacións Audacia [Audacity, 2020]:
Ademais da versión gratuíta, podes atopar un manual moi sensato para ela [Audacity 2.2.2, 2018].
Deshumanizador 2
En terceiro lugar, é amado polos desenvolvedores de xogos de ordenador e voces extremas. Deshumanizador 2. A interface está en inglés e é notablemente máis complicada, pero podes descubrir:
E non só será mestura, senón tamén oportunidades para o deseño de son [Krotos, 2020].
Elementos Cubase
En cuarto lugar, paga a pena prestar atención ao programa Elementos Cubase [Cubase Elements, 2020]. Alí, ademais do conxunto estándar de funcións, tamén hai un panel de acordes que permitirá crear unha pista "desde cero" ou "traer á memoria" unha gravación feita previamente, aplicando na práctica técnicas polifónicas aprendidas previamente:
Antes de comezar, estude a visión xeral das funcións do programa [A. Olenchikov, 2017].
Effectrix
E, finalmente, este é o secuenciador de efectos Effectrix. Para traballar con el, necesitas algo de experiencia, pero paga a pena tomar nota deste programa agora, porque coa práctica regular, a experiencia chegará moi pronto [Sugar Bytes, 2020]:
Podes saber máis no artigo “Programas para mesturar música e voz”, onde se contemplan unha ducia de programas, incluídos os de músicos profesionais e DJs [V. Kairov, 2020]. E agora imos falar sobre a preparación para a mestura do tema.
Preparación da mestura e proceso de mestura
Canto mellor preparado estea, máis rápida e mellor será a mestura. Non se trata só de soporte técnico, un lugar de traballo cómodo e unha iluminación de alta calidade. É importante ter en conta varias cuestións organizativas, así como as características do traballo dos hemisferios cerebrais. En xeral, tome nota...
Como prepararse para o proceso de mestura:
| ✔ | Etiqueta todos os ficheiros de audio de orixe para que quede claro onde está todo. Non só 01, 02, 03 e máis alá, senón "voz", "baixo", "batería", "voz" etc. |
| ✔ | Ponte os auriculares e elimina os clics manualmente ou cun software de limpeza de son. Aínda que use programas, comprobe o resultado de oído. Este traballo de rutina debe facerse antes do inicio do proceso creativo. diferentes hemisferios do cerebro son responsables da creatividade e da racionalidade, e o cambio constante entre os procesos reducirá a calidade de ambos. Podes escoller un programa na revisión "Os 7 mellores complementos e programas para limpar o son do ruído" [Arefyevstudio, 2018]. |
| ✔ | Equilibra o volume escoitando primeiro a gravación en mono. Isto permitirache identificar rapidamente o desequilibrio de volume no son de diferentes instrumentos musicais e voces. |
| ✔ | Axusta todos os ecualizadores para mellorar o equilibrio de frecuencia. Lembre que a configuración do ecualizador afecta o rendemento do volume. Polo tanto, despois de axustar, verifique o balance de volume de novo. |
Comeza o proceso de mestura con baterías, porque ocupan unha parte importante do rango de frecuencias desde as frecuencias graves (bombo) ata as altas (platillos). Só despois pasa a outros instrumentos e voces. Despois de mesturar os principais instrumentos, engadir, se está previsto, efectos especiais (eco, distorsión, modulación, compresión, etc.).
A continuación, cómpre formar unha imaxe estéreo, é dicir, organizar todos os sons no campo estéreo. Despois diso, axusta a disposición, se é necesario, e comeza a traballar na profundidade do son. Para iso, engade retardos e reverberación aos sons, pero non demasiado, se non, "premerá os oídos" dos oíntes.
Cando remate, comprobe de novo a configuración de volume, ecualización e efectos e axusta se é necesario. Proba a pista rematada no estudo e despois en diferentes dispositivos: executa o ficheiro de audio no teu teléfono intelixente, tableta, escóitao no teu coche. Se en todas partes o son se percibe normalmente, entón todo está feito correctamente!
Se atopas moitas palabras descoñecidas, le o libro "Procesamento de son por ordenador" [A. Zagumennov, 2011]. Non teñas vergoña de que se considere moito o exemplo de versións antigas de programas informáticos. As leis da física non cambiaron desde entón. Aqueles que xa se probaron a traballar con programas de mestura de sons, poden recomendarlles que lean sobre "Erros ao mesturar música", que ao mesmo tempo dá recomendacións sobre como evitalos [I. Evsyukov, 2018].
Se che resulta máis fácil percibir unha explicación en directo, podes ver formación de video sobre este tema:
Durante o proceso de mestura, recoméndase facer pequenas pausas cada 45 minutos. Isto é útil non só para a súa saúde, senón tamén para restaurar a obxectividade da percepción auditiva. O oído musical é moi importante para unha mestura de alta calidade. Toda a nosa próxima lección está dedicada ao desenvolvemento do oído para a música, pero polo momento ofrecémosche pasar unha proba para dominar o material desta lección.
Proba de comprensión da lección
Se queres poñer a proba os teus coñecementos sobre o tema desta lección, podes facer unha pequena proba composta por varias preguntas. Só 1 opción pode ser correcta para cada pregunta. Despois de seleccionar unha das opcións, o sistema pasa automaticamente á seguinte pregunta. Os puntos que recibes vense afectados pola corrección das túas respostas e polo tempo dedicado a aprobar. Teña en conta que as preguntas son diferentes cada vez e que se barallan as opcións.
E agora pasamos ao desenvolvemento do oído musical.
Tamén pode querer
Intervalos aumentados e diminuídos: como construílos?
Valor cuantitativo e cualitativo do intervalo
